Tasca Potosina

Le très attendu Top de l'année 2011 (3/3)

2011-12-25T10:30:00.001+01:00

10) Andy Stott – Passed Me By / We Stay Together (Techno/Dub – ANG)

Le dyptique d'Andy Stott nous emmène dans des sphères jamais fréquentées. Où house et techno ne font qu'un, exploitées d'une main ferme par un britannique qui ne craint pas le conflit. Où les basses sont si lourdes et pressantes qu'on a le sentiment de s'être fait enterrer vivant. Où la chaleur est si forte qu'on se croirait dans un cauchemar permanent. Voilà une oeuvre marquante, et la brûlure du fer sur votre corps n'est pas près de cicatriser.

9) King Creosote & Jon Hopkins – Diamond Mine (Electro/Folk – UK – mars)

Le disque le plus attachant de l'année. Respirant la sérénité, il donne l'impression de planer au-dessus de tout le monde, imperturbable. C'est de la patience que naît le bon compromis, et c'est des bons compromis que naissent les collaborations les plus fascinantes. Diamond Mine fait incontestablement partie de celles-là.

8) Forest Fire – Staring at the X (Rock – US – oct)

J'ai détesté ce groupe pour m'avoir livré un très mauvais concert il y a quelques temps. Ils font plus que se racheter en sortant un album sans concession, brassant le folk lancinant au rock le plus rêche, le temps de quelques chansons qui savent chacune à leur tour trouver le moyen d'être mémorables. Après une telle progression, on attendra avec impatience la suite.

7) Kurt Vile – Smoke Ring for my Halo (Folk/Rock – US – mars)

Ce nouvel album de Kurt Vile est comme une série de ronds de fumée, chaque chanson est un petit exploit d'arrangements subtils et hors du temps qui atteint une grâce fugitive sans que l'on ait vraiment compris ce qui s'est passé, avant de disparaître comme une hallucination.

6) WU LYF – Go Tell Fire to the Mountain (Indie Rock – ANG – juin)

Les cris d'un lycanthrope sur les accords austère d'un orgue d'église, voilà quelque chose qu'on n'aurait jamais pensé entendre. Mais c'est pourtant ce qui résume le son de WU LYF: sa solennité et sa spontanéité, qui tiennent dans un équilibre instable déroutant. Toutes les idéologies invoquées finissent par s'annuler pour qu'on ne retienne que le son de leur fracas.

5) Stendeck - Scintilla (IDM/Ambient – SUI – avril)

Il y a des BO dont on peine à discerner l'histoire qu'elles racontent, mais Scintilla fait partie de ces albums si cohérent et si aboutis, aux sons si évocateurs qu'on l'imagine sans efforts. On ferme les yeux et on verrait presque se jouer devant nous un grand film hollywoodien qui ressemblerait à un mélange entre 2001, l'Odyssée de l'espace et La nuit du chasseur.

4) Baxter Dury – Happy Soup (Pop – ANG – Août)

Baxter Dury est à la pop ce que B.B. King est au blues: l'important est de bien choisir ce qu'on fait. Il fait peu, il décharne sa musique à l'extrême, et c'est un squelette qui danse que l'on retrouve à la fin, sur un son de basse aussi rond que les formes qu'il a autrefois porté. Plus élégant que jamais, on dirait bien que le charme vient de l'intérieur.

3) Stranded Horse – Humbling Tides (Folk – FRA – janvier)

Tout semble déjà avoir été dit sur cet album. Sur la beauté de ces quelques chansons épurées et en dehors du temps. Yann Tambour nous recentre sur quelques petites choses fondamentales: le son délicat et envoutant d'une corde qui vibre, la douceur d'une voix qui parle à l'oreille. De quoi tout oublier pendant quelques instants.

2) Ghostpoet – Peanut Butter Blues & Melancholy Jam (Hip-hop - ANG – février)

L'album composé au pianocktail, sauf qu'il n'y a que du whisky de basse qualité qui en sort. L'année même où Mike Skinner écrit un épitaphe brouillon, son plus digne successeur apparaît, et nous ramène déjà dans le monde bien connu du désespoir de la jeunesse. Sauf qu'ici il n'y a pas de faux semblants, tout est sombre et sans issue.

1) Viol – Gun Street (Folk – FRA – mars)

Rarement un album ne m'aura hanté à ce point. Sa production maison et ses chansons d'un autre temps me font rentrer à chaque fois dans un monde fascinant où l'innocence juvénile des mélodies cache la violence froide et blasée des textes. Ernesto Violin est le seul de tous ces artistes sans reconnaissance qui mérite de vous faire culpabiliser d'être passé à côté.

Le très attendu Top de l'année 2011 (2/3)

2011-12-24T10:30:00.003+01:00

Cet épisode est une ode passionnée aux attachés de presse qui savent toujours si bien vendre leurs artistes. Dans le lot il y en a un (quoique peut-être deux) qui n'a pas été inventé, je vous laisse trouver lequel.

11) Thurston Moore – Demolished Thoughts (Folk/Acoustic rock – US – mai)

« L'album acoustique le plus électrique qu'on ait entendu. »

12) Robag Wruhme – Thora Vukk (Deep house – ALL – avril)

« L'album qui mériterait d'être vendu par Don Draper tellement c'est comme un carousel. »

13) Panda Bear – Tomboy (Pop – US – avril)

« L'album qui vous met en mode repeat pendant une heure. »

14) Radiohead – The King of Limbs (Indie post-electronic-pop – ANG – février)

« L'album que personne n'a aimé mais que tout le monde a écouté avec attention: indispensable. »

15) Hecq – Avenger (Dubstep – ALL – sept)

« L'album qui te ferait passer du catch pour un combat de pouces. »

16) Fen – Epoch (Black metal – ANG – février)

« L'album que tu savais pas que c'était du black metal parce que ça sonne trop anglais. »

17) Other Lives - Tamer Animals (Indie rock - US - août)

« L'album tellement évident qu'on se demande comment il n'avait pas déjà été fait. »

18) Big K.R.I.T. - Return of 4eva (Hip-hop - US - mars)

« L'album cool qui rend cool, nomsain ? »

19) Anthony Joseph & the Spasm Band – Rubber Orchestras (Soul/Jazz – ANG – sept)

« L'album qui arrive à te faire aimer un mélange de plein de genres que t'aimes pas forcément. »

20) Shapes Have Fangs – Dinner in the Dark (Garage psychédélique – US – mars)

« L'album garage dans tous les sens du terme. »

21) Agent Side Grinder – Irish Recordings ( Post-punk – SUE – avril)

« L'album cold-wave venu du froid. »

22) Raoul Sinier – Guilty Cloaks (Hip-hop/Indus – FRA – juillet)

« L'album qui m'emmerde parce que j'arrive pas à le cataloguer. »

23) A Hawk and a Hacksaw – Cervantine (World – US – mars)

« L'album juif, turc, espagnol, balkan... Bref qu'est pas de chez nous. »

24) Akron/Family – s/t II (Folk/Rock – US – février)

« L'album où c'est le bordel un peu partout, mais on s'y retrouve quand même. »

25) Orelsan - Le chant des sirènes (Hip-Hop - FRA – sept)

« L'album pour la caution mainstream, la caution fun, la caution vulgaire. Bref, incontournable. »

26) Kouyaté-Neerman – Skyscrapers & Deities (Jazz-World – FRA/MAL – sept)

« L'album qu'on attendait pas et qui pourtant est venu, balafon et vibraphone dans ses valises. »

27) Marcel Kanche – Vigiles de l'aube (Chanson – FRA – janvier)

« L'album de chanson française de l'année. »

28) Beans – End It All (Hip-Hop – US – février)

« L'album qui ne prend jamais sa respiration »

29) Danielson – Best of Gloucester County (Folk/Pop – US – mars)

« L'album qu'on aime bien parce que le mec chante pas très bien. »

30) Gang Gang Dance – Eye Contact (Dance pop experimental – US – mai)

« L'album qui plombe nos soirée parce que son groove n'est pas si universel. »

Le très attendu Top de l'année 2011 (1/3)

2011-12-22T18:57:00.003+01:00

Cette année 2011 fut un peu comme un saison du Stade Rennais. Ca démarre en trombe, mais ça se casse la gueule dans les moments importants. Quelques coups d'éclats et vers la fin pour redresser la barre, mais à la fin on se fait voler une place en Champion's League dans les arrêts de jeu à cause de Fauvergue. Bref, cette année ne se sera pas tellement démarquée des autres. Comme tous les ans on a eu plein de gens qui ont dit "Y'a eu trop de bon disques cette année" et autant d'autres à rétorquer "Pas terrible cette année pour l'instant". Et on était encore qu'en avril. Comme tous les ans depuis un bout de temps, on va faire la remarque qu'il n'y a aucun disque qui a fait l'unanimité. On va chercher pourquoi. On va trouver: "Trop de disques, trop d'avis sur les disques".

Mais comme tous les ans, ça nous empêchera pas de faire notre petit top à nous, celui qui nous tient à coeur et qu'on défendra contre vents et marées. C'est pourquoi je réinstaure la numérotation pour cette fin d'année, abandonnant les listes que j'ai faites toute l'année, pour ne pas avoir l'air de faire quelque chose qui n'est pas bien. Mais là c'est Noël, et il faut respecter les traditions. Voici un top en bonne et dûe forme, avec quelques petits commentaires en dessous.

31) Earth – Angels of Darkness, Demons of Lights (Doom/Post-rock – US - février )

« Ce n'est plus une musique de fin du monde, c'est déjà fini. »

32) Moon Duo – Mazes (Rock psychédélique – US – mars)

« Mr je-tiens-un-accord-de-clavier-pendant-3-heures et Mr je-joue-de-la-guitare-comme-un-sagouin ont fait un groupe. C'est plutôt pas mal. »

33) Aes Dana – Perimeters (IDM/Ambient – FRA – février)

« Une atmosphère sonore si palpable qu'elle se fait réellement couper au couteau par des beats aiguisés »

34) Smith Westerns – Dye It Blonde (Garage/Glam – US – janvier)

« We are young, we run green, Keep our teeth, nice and clean, See our friends, see the sights, feel alright »

35) Youth Lagoon – The Year of Hibernation (Pop/Lo-fi – US - septembre)

« Quand lumière et poussière riment sans que ça paraisse convenu »

35) Bill Wells & Aidan Moffat - Everything's Getting Older (Indie - ECO - mai)

« Triste mais beau, beau mais triste, finalement c'est peut-être ça de bonnes chansons. »

36) Kangding Ray – Or (Techno/glitch – FRA – juin)

« Un des rares albums où on peut réellement parler d'architecture sonore. »

37) Kami-Sakunobe House Explosion – Routes not Roots (House – US – avril)

« Moite »

38) Blut Aus Nord – 777 sect(s) (Black Metal – FRA – oct)

« La terreur noire: violente et malsaine »

40) Giles Corey – Giles Corey (Expérimental – US – août)

« La terreur blanche: calme et désespérée »

41) Charles Bradley – No Time for Dreamin (Soul – US - janvier)

« Comme quoi on peut être vieux et noir et avoir envie de faire de la vieille musique noire. »

42) Nicolas Jaar – Space is OnlyNoise (Deep house – US - février)

« Jeune étudiant en cinéma cherche à se reconvertir dans la musique pour faire danser les filles. »

43) The Black Keys – El Camino (Rock – US – décembre)

« Plus pop, moins rongeur, l'album qu'on pensait ne jamais entendre depuis que Jack White est parti en pré-retraite. »

44) The Dodos - No Color (Indie folk - US - mars)

« Qu'est ce qui a 3 jambes, 4 bras et 2 cerveaux ? L'homme-orchestre de Tchernobyl. »

45) Bruce Lamont – Feral Songs for Epic Decline (Dark folk/Post-metal – US – janvier)

« On a rarement été aussi angoissé par le son d'un saxophone. »

46) Bon Iver – Bon Iver (Folk – US - juin)

« La recette pour être hype ? Etre kitsch avec classe. »

47) Cheveu – 1000 (Weird punk - FRA - janvier)

« Je sais pas ce que c'est, mais y'a des gens qui crient et une chanson qui s'appelle Charlie Sheen »

48) Wire – Red Barked Tree (Post-punk – ANG – janvier)

« L'intrus parmi tous les vieux groupes post-punk qui ont décidé de refaire un album »

49) Tim Hecker – Ravedeath, 1972 (Ambient – CAN – février)

« Aussi obscur et fascinant qu'une thèse d'Heidegger »

50) Mind Spiders – Mind Spiders (Garage - US – janvier)

« We wake up, we go out, smoke a fag, Put it out, see our friends, See the sights, feel alright »

Andy Stott - We Stay Together

2011-11-27T10:00:00.014+01:00

Undead Lands

Cela faisait quelques semaines qu'il avait décidé de rester sur la plage. Pour une raison inconnue, il semblerait que ce soit le seul endroit où l'on pouvait dormir comme si rien ne s'était passé, les deux yeux fermés. Il avait déjà oublié la fête de l'autre soir, et ses cicatrices n'ont fait que s'intégrer à un corps qui n'était plus vierge de l'horreur. Je crois que sans me le dire, il aimait bien la plage parce que ça lui permettait d'être naturellement insouciant, sans devoir se mentir à lui-même sans arrêt. Pour autant l'ambiance n'était pas toujours décontractée, et elle ne le serait sans doute plus jamais. Son imagination était plus débordante que jamais, et nous passions nos journées à nous imaginer ce que nous ferions quand tout sera enfin fini. Abrités dans d'anciennes toilettes publiques, nous attendions le bon moment pour repartir, bercés par le flux des vagues et le bruit mécanique des canalisations. Aujourd'hui il s'était lancé dans le récit d'une fable. J'avais l'esprit un peu ailleurs, tout ce que j'ai compris c'est que ça parlait de mouches et d'araignées[1].

- Et tu vois, c'est ça la morale, c'est pas du bullshit hédoniste classique, c'est plus épicurien en fait. Mais c'est surtout la vanité parfaite, absolue. Et ça m'a donné...

-Attends, t'as quoi au bras là ?
-De quoi, ça ? Bah t'sais c'est l'autre soir là, au cimetière.
-Nan mais c'est une morsure ?
-Bah ouais, c'est l'autre conne là... J'sais pas si tu te souviens, y'avait une fille au cimetière, pas mal et tout, j'sais pas si tu vois. Bref, j'avais bien accroché avec elle, j'étais à deux doigts de conclure, et elle me bouffe le bras! Sérieusement, quel genre de meuf te bouffe le bras dans ces moments là ?
-Le genre zombie, j'imagine...
-Ouais bah n'empêche j'étais dégouté. Pour une fois que je tente le coup avec une fille, elle essaye de me bouffer.
-Et tu m'as rien dit ?
-J'voulais pas te faire peur. Puis t'as vu, ça fait déjà un bout de temps et j'vais bien. J'dois être immunisé ou un truc du genre. T'façon on reste ensemble hein, ça change pas grand chose à notre histoire tout ça.
-Oui sans doute.
-Donc, je disais, j'ai eu une idée de film! Enfin quelques scènes tu vois. Genre là j'en ai deux, celle d'ouverture, et la scène avec "l'élément perturbateur". Regarde.

Plage écossaise. Extérieur. Aube.

Plan d'ensemble oblique vers la mer. Travelling arrière lent. En voix off, des vers de Wordsworth: « Though nothing can bring back the hour / Of splendour in the grass, of glory in the flower / We will grieve not, rather find Strength in what remains behind. » Deux silhouettes apparaissent au bord de la mer. Plan américain de dos sur les deux personnages. On distingue un gros bandage sur l'épaule de l'homme, la femme est en robe légère.

Banlieue glaswegienne. Extérieur. Crépuscule.

Plan américain de dos sur l'homme au bandage. On le suit en steadycam. Il passe devant une station service, tourne à gauche, arrive devant un immeuble, et sonne.

-Ouais. Là comme ça j'ai du mal à imaginer. Ça parle de quoi en fait ?

-De zombies évidemment, mais justement j'ai le truc pour...

-Tu sais, des zombies y'en a partout, je sais pas si ça va intéresser les gens.

-Bah avant on faisait bien des films avec des gens qui prenaient des cafés ou des trucs de ce genre, et c'était comme ce qu'on voyait tous les jours aussi. L'important c'est le regard!

-Ouais. Et c'est quoi ton regard ?

-L'idée c'est de faire une sorte de remake de La balade sauvage, mais avec des zombies[2].

-Là comme ça, ça me dit rien.

-Mais si! La nature, l'amour et la mort, sauf que là c'est dans un monde beaucoup plus oppressant, le danger est palpable. Et pour ça j'ai justement le truc pour...

-Mais attends, ça veut dire que t'as une caméra ?

-Euh non.

-Bah tu comptes le faire comment ton film ?

-Mais on s'en fiche de la caméra! J'en trouverais bien une un jour. On a pas besoin de ça pour l'instant.

-Et tu l’appellerais comment ton film ?

-Bah j'y ai un peu réfléchi. Si je pense en français, ça donne: La balade anthropophage. Ouais. Pas terrible, hein. Sinon en anglais y'a Deadlands, plus sobre.

-Oui j'aime bien. Même si j'ai toujours du mal à imaginer.

-Justement! J'ai le truc pour que tu comprennes. J'ai la musique parfaite pour ça: le dernier Andy Stott! Surtout « We Are Together » pour la seconde scène.

-… Putain mais oui!

-Eh, t'as vu ?

-Mais sinon, c'est quoi le rapport avec les mouches et les araignées, au début ?

-J'sais pas trop. L'ambiance générale, tu vois. La tension. La liberté illusoire. Memento mori et ce genre de choses. Je sais pas.

Ton film, comme toutes tes idées de création, ne verra jamais le jour, mais toutes ces soirées passées à se raconter des histoires m'ont donné l'impression d'être ailleurs pendant quelques temps. Je ne sais pas si tu sais où tu vas, mais tant que tu seras devant moi, avec ton maillot rouge floqué du numéro 8 de Steven Gerrard[3], je n'aurais qu'une certitude: « You'll never walk alone. »

Le premier épisode sur Andy Stott est ici.

We Stay Together (Part One) by Andy Stott on Grooveshark

[1]: Il avait appris à parler français depuis la dernière fois, et tout le monde trouvait ça plus confortable.
[2]: J'anticipe la question: oui, Romero est devenu un zombie après avoir voulu engager de vrais zombies dans son nouveau film, qui était désormais plus proche du docufiction.
[3]: Même zombie, Steven Gerrard reste meilleur que n'importe quel Alou Diarra.

Andy Stott - Passed Me By

2011-11-25T10:00:00.019+01:00

Comme des mouches qui dansent sur une toile d'araignée.

Tu étais assis sur une des banquettes de la boîte de nuit, somnolant. Tes yeux étaient presque fermés, mais on pouvait encore deviner l'effroi sur ton visage. Je crois qu'au fond nous étions dans la même situation, dans un état d'extrême secousse, éclaircie d'irréalité, avec dans un coin de soi-même des morceaux du monde réel. Tes pensées se lisaient sous tes paupières, comme on peut voir le cauchemar d'un enfant quand il dort. Je ne savais que trop bien ce qui t'agitait. Cette soirée fut éprouvante pour nous deux, mais je n'ose imaginer la profondeur de ton traumatisme. « You buried me alive, you dicks! ». Ce n'était alors que le début, mais tu étais déjà à bout.

La discothèque. Depuis que nous sommes arrivés à Haïti, tu sembles considérer que ce sont les cimetières de tes angoisses. Sans doute un refuge également, un lieu de familiarité pour un anglais de souche comme toi. Pourtant ici et maintenant, tu es complètement indifférent à ce qui t'entoure. De temps en temps tu relèves la tête, alerté par les éclats de quelques filles court vêtues se trémoussant sur un rythme techno, mais tu retournes vite à tes pensées, que tu ressasses sans jamais réussir à en sortir. C'est souvent comme ça. On oublie ce qu'on a besoin de se rappeler et on se souvient de ce qu'il faut oublier. Le son des coups se répète en boucle dans ta tête, finissant par se caler sur le rythme des basses qui font vibrer la foule. De plus en plus hermétique à ce qui t'entoure, je te sens t'enfoncer et te noyer dans les répercussions du choc. Et quand tu lèves les yeux vers moi, on dirait que le monde tremble.

Cette fois-ci tu ne t'en remettras peut-être pas. Ce voyage vers le sud est sans doute devenu trop pesant. Ta vie n'est plus qu'une succession de fuites menées par la peur, et il n'y a plus rien dehors qui te fasse sourire. Le sud est un faux espoir. Tu as beau fermer les yeux, rien à l'intérieur de toi te permettra de t'échapper. Notre monde est devenu terne. Les nuits obscures au-delà de l’obscur et les jours chaque jour plus gris que celui d’avant. Rends-toi à l'évidence. C'est le dur paysage de fond qui se révèle pendant que tu marches, et l'éternité te dépasse car tu ne peux passer le pont. Je viens m'asseoir à côté de toi, profitant d'un moment d'éclaircie dans ton esprit. Tu affiches une expression plus apaisée que je n'aurais pensé, malgré les gouttes de sang qui ornent ton visage. Plus qu'apaisé, c'est un air à la fois blasé par les évènements et résolu que je perçois dans ses yeux. Face à mon regard interrogateur, une réponse: « Zed's dead », puis, chuchotant, « Zed's dead. »

Me regardant toujours, il affiche un léger sourire, comme pour se moquer de notre solennité, puis éclate de rire. « Aaaaah... Fuckin' zombies. They really know how to party, aren't they ? » Stupéfait, je hausse les sourcils pour demander une explication. « I mean, yeah, they might have been fuckin' around at some point. But it was fun, right ? » « Well, yeah, maybe... » « Great. C'mon, let's get a beer. We're still alive. »

A lire également sur Chroniques automatiques, et sur Little Reviews.

North To South by Andy Stott on Grooveshark

[Les phrases en italiques sont alternativement des citations d'Antonin Artaud (Le Pèse-nerfs, "La momie attachée") et de Cormac McCarthy (The Road).

Clip et nunc

2011-11-20T19:42:00.000+01:00

Ca ne vous est jamais arrivé de marcher dans la rue et d'avoir subitement des idées pour réaliser un clip ? Ou d'écouter de la musique et d'imaginer comment vous le mettriez en scène ? Mon "premier film" imaginaire ressemblerait je pense à une succession d'idées de clips, plus qu'à un film cohérent. Je ne serais donc pas réalisateur. Certains "clip-maker" ont réussi leur passage au grand écran cependant, comme David Fincher, ou Anton Corbijn, mais ce sont deux façons de faire assez différentes. Je pense que je serais assez moyen comme réalisateur de clips également, quand je vois le niveau d'inventivité de certains clips aujourd'hui. Il ne s'agit pas seulement de filmer un mec qui court, parfois ça nécessite un peu plus de réflexion pour livrer un objet au moins accrocheur, si ce n'est fascinant.

Vous l'aurez compris, aujourd'hui je vais vous parler des quelques clips qui m'ont scotché cette année. Un article un peu dense en images donc, mais vous n'êtes pas obligés de tout regarder d'un coup, vous pouvez me mettre en favori, vous abonner à ma page facebook et tout ça pour revenir plus tard... Oh merde, je fais ma pub comme les podcasteurs. Alors que je ne touche pas d'argent pour ce que je fais. Oui, je sais, ça vous choque aussi, vous me pensiez millionnaire, mais que voulez-vous, les temps sont durs. J'en étais où ?

Radiohead - "Lotus Flower"

La première grosse sensation de l'année, et le clip le plus fascinant que j'ai vu depuis longtemps. Complètement stupide, la "danse" de Thom Yorke est si improbable, et exécutée avec un tel flegme qu'on ne peut s'empêcher de la regarder jusqu'au bout, alors qu'au fond, elle n'a aucune logique, donc aucune fin. Et pour ne rien gâcher, l'ambiance foutraque et minimaliste de la chanson relève parfaitement le spectacle, comme si au fond c'était la seule chorégraphie possible.

The Black Keys - "Lonely Boy"

La dernière grosse sensation de l'année, et un clip tout aussi étrange. On a le sentiment que cet homme, concierge ou agent de sécurité, se faisait tellement chier qu'il s'est filmé en train de danser et a posté ça sur Youtube. Sauf que non, c'est bien le clip officiel. Sans doute réalisé en une prise (on voit quelqu'un qui passe derrière et qui repart comme pour fuir la caméra), voilà un clip aussi garage que la chanson qu'il met en scène. Enfin, si on veut.

Orelsan - "1990"

Voilà un morceau de bravoure à faire hurler de rire toute personne née dans les années 80. Parodiant jusque dans les moindres détails l'esthétique 90's, Orelsan fait revivre en moins de 2 min toute une époque qu'on n'a pas vu disparaître, mais qui semble pourtant bien loin de nous. Surfant sur la mode de la nostalgie des 90's sans complexes et sans "hipster attitude", c'est sûrement un des clips les plus drôles qu'on ait vu cette année.

Lana del Rey - "Blue Jeans"

On change complètement d'univers avec le gros buzz de l'année. Marketée ou pas marketée, true indie ou fake, je m'en balance un peu. Toujours est-il que ce clip est un petit bijou de montage, qui - selon notre position sur l'affaire - pourrait être interprété comme un pastiche intelligent de tous les tics indie des 00's, et de l'esthétique Youtube en général. Brillants dans leurs compositions, et mettant bien en valeur des chansons au charme désuet qui collent à la peau, les clips de Lana del Rey n'ont pas volé leur notoriété.

Baxter Dury - "Claire"

On rentre à présent dans des clips qui s'inspirent un peu plus directement du 7e art. Ici, on navigue entre l'esthétique du Control d'Anton Corbijn (justement), et une touche Nouvelle Vague qui sied à merveille à Baxter Dury. Charmant et flegmatique, sans prétention mais bien fini, on a ici l'archétype du clip qui colle parfaitement à sa chanson. Ça se regarde comme un court-métrage, à ceci près qu'il n'y a pas grand chose à comprendre.

tUnE-yArDs - "Bizness"

Ah non, voilà l'archétype du clip qui colle parfaitement à la chanson. Grâce à un montage millimétré, on assiste à un spectacle très étrange bien qu'assez commun dans l'idée, où enfants et adultes se mettent à crier et à faire spontanément des chorégraphies bizarres. Assez troublant à regarder mais finalement ça devient très vite addictif, malgré une chanson qui n'est pourtant pas du genre à me plaire. Ca peut servir à ça aussi, les clips.

WU LYF - "Spitting Blood"

Que dire sur ce clip ? Il est à l'image du groupe, mystérieux et grandiloquent. Beaucoup plus intéressant que l'insurrectionnisme romantique de "Dirt", voilà le clip qui pourrait faire adhérer les réticents. La musique de WU LYF s'exprime beaucoup plus lorsque qu'elle soutient des images, d'où la volonté du groupe de soigner ses clips (avec plus ou moins de réussite).

Childish Gambino - "Bonfire"

Juste pour le plaisir de vous faire partager la musique de Donald Glover, a.k.a. Troy dans l'excellent série Community. Très bon acteur et plutôt bon rappeur, il nous donne un clip peu commun pour Halloween, où on assiste à une sorte de cauchemar soutenu par un flow à la Lil' Wayne. C'est tout l'univers pop, absurde et envoûtant de Donald Glover que l'on retrouve à travers son avatar Childish Gambino (nom trouvé grâce à un générateur de pseudo Wu-Tang...).

Et pour finir, un peu de publicité pour un réalisateur de clips français qui fait du boulot incroyable, avec peu de moyens: Henri-Jean Debon. A voir ici et là.

Génie musical en différé

2011-11-13T10:30:00.001+01:00

Cet article a été rédigé en août 2010.

Elevation by Television on Grooveshark

Ils ont tout pour être punks. Ils ont sorti leur album en 1977. Ils jouaient au CBGB's à New-York tous les soirs à l'époque. Richard Hell est celui qui a inspiré Malcolm McLaren pour créer le mouvement punk de toute pièces en Grande-Bretagne. Ils ont tout, et pourtant ils sont loin d'être punks.

Quand on entend parler de Television pour la première fois, c'est souvent par des éloges glissés dans les articles de critiques rock de tout bords. Television, c'est le groupe marginal dans le mouvement qui excite le plus les spécialistes de la musique actuelle: le punk. Quoi de plus cool pour un critique rock que d'affirmer que le punk, ce mouvement déjà rebelle par essence, n'est qu'une copie de ce qui se fait depuis déjà quelques temps outre-Atlantique. Et Philippe Manoeuvre de dire que Fun House des Stooges est son album préféré. CQFD. Mais derrière cette image de marque, qui relie intimement Television à toute la clique des groupes qui étaient là avant tout le monde sans que personne le sache, il y a une vérité, qui frappe dès que l'on écoute l'album, celui qui les a fait exister: Marquee Moon. Cette vérité est simple: tout ce qui a pu être entendu sur Television n'est rien d'autres que des affirmations lancées à l'emporte pièce pour asseoir sa posture de rockologue.

Parce qu'il n'y a pas grand chose de punk dans Television. A la limite, la voix de Tom Verlaine, très nonchalante, et l'aspect assez énergique des morceaux plaide en faveur de cette opinion. Mais c'est tout de même pas grand chose, quand on sait que Iggy Pop se fout à poil sur scène depuis 1969. D'ailleurs, l'élément le plus punk du groupe, Richard Hell, s'en ira très vite, avant le premier album, pour aller créer l'hymne du mouvement, « Blank Generation ». Si ce n'est pas un signe de l'écart réel entre les punks et Television...

Plus concrètement, la musique parle d'elle même. Faisons les choses simplement. Le punk se définit comme une rupture avec le rock tel qu'il était conçu à l'époque. C'est-à-dire un rock très-voire trop- travaillé, avec de longs solos et de grands arrangements. C'est l'anti rock progressif en somme. Les punks abhorrent « Freebird » de Lynyrd Skynyrd ou « Stairway to Heaven » de Led Zeppelin. Ils veulent un retour à l'énergie brute du rock originel. On voit donc débarquer des clodos avec des instruments pas accordés qui braillent dans un micro. Television est très loin de ça. Les chansons de Marquee Moon tatent régulièrement les 5 minutes, avec une pointe à 10 minutes pour le titre éponyme. Le son est assez clair et propre, les chansons sont bien travaillées bien qu'assez simples(1). Les premiers titres fonctionnent sur quelques figures rythmiques savamment arrangées pour faire de chaque chanson une petite perle de rock allant et immédiatement agréable à écouter. Mais ce qui surprend le plus, c'est l'omniprésence des guitares, et au delà de ça, des solos. Le titre "Marquee Moon" est presque instrumental et est quasi intégralement dédié à la six cordes.

La qualité technique des musiciens impressionne d'ailleurs tant on ne s'y attend pas au vu de la réputation du groupe. Le jeu de Tom Verlaine et de Richard Loyd est absolument unique, fait d'improvisations faussement brouillons et de notes dissonantes tout en restant mélodieuses. Il faut dire les choses telles qu'elles sont, il y a une réelle continuité avec le rock progressif contre lequel se construit le punk. La guitare se nourrit des péripéties des grands guitar-hero de l'époque, mais forme toutefois une rupture avec le jeu d'un Jimmy Page ou d'un Eric Clapton, devenu académique. On ne s'en rend pas forcément compte immédiatement, mais le secret réside en fait dans cette manière de sonner compliqué en restant dans la simplicité.

Pour faire bref, à l'écoute de Marquee Moon, on est bel et bien convaincu que Television est décalé par rapport à l'univers dans lequel il évolue. Il assume l'héritage du rock des 70's, en lui donnant un petit coup de fouet, en le dégonflant et en le débarrassant de ses fioritures. On en garde donc un rock sérieux, qui a une réelle prétention musicale, mais joué d'une façon infiniment neuve à l'époque, et bien plus intelligemment que leurs congénères. Tout se passe comme si, dès 1977, Television avait compris que le punk ne servait qu'à restructurer le rock devenu décadent, et avait sauté l'étape des chansons braillardes pour en arriver directement à la maturité. Il anticipe donc à la fois le punk et le post-punk, et d'ailleurs les sonorités froides et parfois expérimentales de leurs chansons font penser à ce qui se fera quelques années plus tard. Television est donc pour moi un groupe à part, mais je ne lui accorde pas ce statut de « protopunk » ou de « groupe séminal », ce serait leur faire bien peu d'honneur. Non, ce n'est ni plus ni moins que le premier groupe de rock alternatif tel qu'on l'entendra dans le décennies qui suivront(2). Et à ce titre, Marquee Moon se doit d'être écouté au moins une fois dans une vie.

Mais non... J'vous jure... Y'a pas que des clodos chez les punks...

(1): C'est sur ce point là que se fonde la différence avec les Stooges, qui exclut Television d'un statut "parrain du punk".

(2): De qui s'est principalement influencé le revival rock des années 2000, hein ?

Neither reason, nor sense.

2011-11-11T18:02:00.001+01:00

Oh ça me fait penser, l'autre jour j'étais dans le métro, enfin, le « VAL ». Personne le dit mais c'est comme ça que ça s'appelle. Bref donc, j'étais dans le metro et je lisais Direct Matin. Pas que je sois fan, mais le mec qui les distribue à l'entrée est tout seul et il me fait un peu de peine. Je sais plus bien ce qu'il y avait au menu ce jour là. Sans doute un peu de crise grecque, un peu de crise en Iran, un peu de Sarkozy, un peu de François Hollande... Et puis sûrement des potins people à la fin. D'ailleurs, vous savez que Scarlett Johansson sort avec Joseph Gordon-Levitt ? Enfin il paraît. C'est ouf. Ils vont pas du tout ensemble. Ouais sinon, à côté de moi, j'avais une fille qui feuilletait Metro – elle avait dû rentrer à la station d'avant. Elle commentait le démarrage éclair d'Intouchables, un truc genre: « Nan mais ça y est, on a encore une super comédie française que tout le monde aura vu, et tout... J'suis sûre que c'est trop niais et tout tu vois, ça m'a l'air merdique. J'ai pas vu les Ch'tis, j'irais pas voir celui-là non plus. » Bon, c'est pas faux, mais bon, de là à dénigrer le film sur la base d'un succès populaire... Pour le coup j'trouve ça con. Moi j'ai bien rigolé devant ce film. Pas trouvé ça trop moralisant, ni trop mauvais. Plutôt pas mal foutu même. C'pas Les petits mouchoirs quoi. Rien qu'au niveau du choix de la musique tu sens que c'est plus intelligent. Puis Omar me fait rire même quand il fait rien. Bref, j'serais pas snob sur ce coup là. Oh puis les médecine qui rentrent à l'arrêt du CHU. M'a pas l'air fin lui... Oh putain, elle s'est maquillée dans le noir elle c'est pas possible. Mouais. Oh, mes frites sont froides... Eh mais j'la connais elle. Merde. D'où ça, déjà ? Raaah. Oh! L'usine! Cet été. P'tain, pas envie de lui parler. Rien à lui dire.

J'me tourne de l'autre côté. « Eh t'as vu le dernier How I Met ? - Ouais, il est cool. Elle est pas mal cette saison pour l'instant. Ca me fait du bien après le finale tout pourri de Breaking Bad. » Hein ? Mais c'est quoi le rapport ? En quoi une saison correcte de How I Met – ce qui est vrai d'ailleurs, elle démarre bien cette saison – compense un raté de Breaking Bad ? Ca n'a rien à voir! Et puis elle est même pas pourrie la saison! N'importe quoi. « Oh moi je l'ai trouvé géniale la saison. Franchement c'est génial, encore mieux que celle d'avant. Genre Walter il est génial, comment il les baise tous à la fin! » WTF ? Putain les cas... Entre le premier qui se donne un genre en exercant son sens critique n'importe comment et l'autre qui n'en a pas du tout... Puis qu'est con aussi. Il les baise tous... Et à quel prix, débile ? Y'en a pas un qu'a l'air à peu près intéressant (c'est-à-dire d'accord avec moi, NdT) (enfin non, qui a de bons arguments.) (pas eux en tout cas.)

Allez, c'est bon, fini la blague. Tu rentres à la maison.

« Accès: Université Rennes 2 » Là, c'est un troupeau de sangliers en furie. Si je perds pas un orteil avant de sortir c'est un miracle. Le prochain qui me pousse... J'ai un bouquin dans mon sac, ça peut faire mal j'pense. S'appelle Maintenir l'ordre le bouquin en plus. Il a été conçu pour ça. Faut que je le lise d'ailleurs. Bon. 9H02. Le jour ou t'auras compris que le métro met pas 15 minutes mais seulement 5 pour aller à la fac, t'auras fait un pas en avant. Et t'auras gagné 10 min de sommeil. Personne, évidemment. Juste les gars qui viennent pour aller devant les salles de cours. Jamais dedans. « Pas d'élus, mais des luttes! ». Ah oui, je me souviens, y'avait un article sur Mélenchon dans le journal. « Mais voilà, c'est Mélenchon qu'il nous faut! ». Ahah. Dans ma tête cette formule me rappelle trop le « C'est Pétain qu'il nous faut! » de 1940. Ridicule. Comme quoi faire de l'histoire n'amène pas qu'à se faire des réflexions intelligentes. Pendant un quart de seconde j'ai pensé quelque chose d'aussi pertinent qu'une intervention d'Eric Zemmour. Bravo Joris. Si j'ai du feu ? Mais bien sûr. J'vais m'en fumer une aussi. C'est dingue, j'suis tellement accro à la clope que j'en oublie que je fume... Faut pas que je dise ça à quelqu'un, on me dirait « Bah t'as qu'à pas fumer! Si c'est si facile! » Certes. Mais bon, hein.

Je revois mademoiselle J'irais-pas-voir-Intouchables. Eh le contrôleur c'est le sosie de Gérard Jugnot. « Sérieux ? Tu lui as dit ça ? - Bah ouais attends! Moi j'suis entière, j'dis les choses cash! J'suis comme ça, j'réfléchis pas! » Mais c'est bien ça!... Perso j'suis pas entier, j'suis plus genre... à moitié, trois-quart peut-être. Enfin, tu vois quoi. Sérieusement, ça t'énerve pas ce genre de réflexions cons toi ?

-Ouais, carrément...

-Excuse moi, c'était quoi ta question déjà ?

-Est-ce que t'es allé voir Intouchables ?

-Bah oui j'te l'ai dit.

-Nan mais je sais que tu me l'as dit, t'as parlé de la meuf dans le métro là, mais après t'as marmonné pendant genre 5 minutes. Tu me passes l'eau ?

-Ouais. Bon faut que je te laisse.

-Bah... T'as pas fini de manger.

-Ouais mais j'écris l'histoire dans le train là. Et j'arrive chez moi. Faut que je termine, déjà que ça n'a ni queue ni tête, j'vais pas non plus en rajouter. C'est con, j'pensais que j'avais une idée au début. Enfin, je sais pas, enfin, peut-être. M'enfin. Oh cool, les Who. « You think we look pretty good, together / You think my shoes are made of leather »

Top 5: Tom Waits

2011-11-08T12:09:00.002+01:00

Comme pour chaque nouvel album de Tom Waits, la presse va s'en donner à coeur joie de vous rappeler à quel point l'artiste est culte et incontournable. Une légende vivante en gros. Mais cette fois-ci, vous n'avez pas envie de culpabiliser dans votre coin, d'être exclu des conversations et de marmonner « Bah il doit pas être si culte que ça si j'en ai jamais entendu une chanson de ce type... ». Ca fait de la peine à tout le monde. Heureusement, j'ai moi aussi été dans votre situation. C'était il y a 3 ans je crois, et comme je suis très fier et orgueilleux, j'ai écouté (quasiment) toute la discographie de Tom Waits. Plusieurs fois, pour être bien sûr. J'en ai conclu que j'appréciais de manière assez inégale chacun de ses disques (j'suis trop jeune, ça doit être ça). Mais je décide tout de même de vous venir en aide (quoique je ne m'adresse peut-être qu'à des fans de Tom Waits, imaginez le bide... bref) en vous révélant les 5 meilleurs albums de l'homme à la voix cassée! (Wow! Génial! Enorme!) Ca me fait plaisir.

5- Nighthawks at the Diner (1975)

Autant vous le dire tout de suite, les premiers albums de Tom Waits c'est pas trop ma tasse de thé. Les truc de crooner sur jazz léger, ou les ballades dylanniennes au piano (pour Closing Time, que j'aime bien malgré tout), tout ça c'est pas assez de mon époque pour que j'arrive à accrocher. Pourtant, pourtant, cet album là, je l'aime bien. Enregistré devant un public restreint, il baigne dans une ambiance bien particulière, avec le Tom qui fait des blagues entre chaque chanson, et qui adopte un débit parfois plus proche de la poésie scandée que du chant de crooner. Tout ce qui peut me gêner dans le Tom Waits de cette époque se trouve résolu par quelques vannes, des rires et des applaudissements. Juste ce qu'il faut pour rentrer dans son univers, et y succomber.

4- Bone Machine (1992)

On fait un bond dans le temps, et forcément c'est plus tout à fait la même chose. Les chansons sont assez difficiles à définir, constitués de bruits vaguement rock sur lesquels Tom Waits « chante », en faisant un peu n'importe quoi avec sa voix (« All Stripped Down »). Mais Bone Machine ne se réduit pas à ça, puisqu'on y trouve vraiment de tout, du blues décharné ou des ballades croonées comme dans le temps. L'âme de cet album c'est sans doute ça, on y ressent une profonde liberté, en même temps que s'en dégage une atmosphère particulière, comme dans une pièce mal éclairée et pauvre en humidité. Ses percussions bricolées caractéristiques et ses bruits divers déconstruisent l'album à chaque fois qu'on semble y percevoir un embryon de chanson classique. Bone Machine est une expérience troublante et fascinante, notable dans la discographie de Tom Waits, qui ne manque pourtant pas de trucs bizarres.

3- Mule Variations (1999)

Voilà un album réalisé de façon plus homogène, qui est de fait plus accessible, même si cela reste à définir quand on parle de Tom Waits. Tournant essentiellement autour de sonorités blues et folk, Mule Variations est l'album à conseiller à tout néophyte, car c'est sans doute un de ceux où les chansons s'accordent le mieux avec la voix inimitable du bonhomme, tout en conservant leur personnalité. Relativement récent, cet album fait pourtant déjà figure de classique tant par la qualité de ses chansons que par l'aspect intemporel qui transparait (assez caractéristique de Tom Waits du reste). Et c'est sans doute pour ça que Tom Waits est « culte », parce que c'est un des rares artistes à sortir un de ses meilleurs albums plus de 25 ans après son début de carrière (avec Dylan, Neil Young et Bowie, au pif.)

2- Heartattack and Vine (1980)

Je suis tombé amoureux de cet album dès les premières notes de la chanson éponyme. Et ce n'est pas une formule pour faire bien, c'est précisément ça. Heartattack et Vine c'est une guitare saturée mais discrète, un peu d'orgue, de saxophone, et roulez jeunesse. C'est souvent avec peu d'ingrédients qu'on fait les meilleurs plats, en voilà la preuve. Le jazz effacé des débuts s'est transformé en blues chaleureux, qui sait prendre les devants quand il le faut (« In Shades »), et qui transforme chaque chanson en morceau de bravoure dont on prie pour qu'il ne s'arrête jamais. La voix de Tom Waits n'a jamais été aussi enrouée (à un point où ça devient difficile à supporter par moments), et elle survole chaque chanson avec une aisance et un rythme incroyable. Tantôt mélancolique et tantôt gouailleur, le chanteur est dans un grand jour, et ça s'entend. Absolument magnifique du début à la fin, Heartattack and Vine est indispensable.

1- Rain Dogs (1985)

Voilà un choix beaucoup moins personnel, mais pourtant, que j'aime cet album! Tom Waits poursuit le virage entamé par Swordfishtrombones, et nous sort un album qui ne ressemble à plus grand chose de connu, et c'est sans doute pour ça qu'il est si marquant dans sa discographie. La musique mélange allègrement rythmique de cuivres chaloupée, guitares au son sec en roue libre, et divers instruments qui participent au gros bordel général. Mais malgré ce sentiment qu'on y trouve n'importe quoi, Rain Dogs garde la même ligne directrice, à savoir des chansons rythmées et très épurées, qui créent au final une atmosphère totalement étrange et surréaliste, comme un mélange entre la foire bizarre de Freaks et l'enfermement absurde et inquiétant de Down by Law (dans lequel joue Tom Waits, et Jarmusch a d'ailleurs emprunté le fameux « Jockey Full of Bourbon »). Tom Waits parvient à être inventif musicalement et à conserver son talent de songwriting, sans pour autant devenir abscons. Fondre son imagination débordante dans la simplicité d'une poignée de chansons, voilà le grand talent de Tom Waits, qui éclate dans Rain Dogs. Plus qu'un grand album dans sa discographie, c'est un chef d'oeuvre tout court.

Petites phrases péremptoires sur Drive, de Nicolas Winding Refn

2011-11-03T18:20:00.003+01:00

Stranger_1
Brillamment réalisé et magnifiquement interprété, Drive est un film qui brise les codes et hisse NWR au rang des grands réalisateurs.

Stranger_2
@Stranger 1 C'est surtout un film au scénario creux et sans âme, qui pompe tous les clichés d'un cinéma qui n'a pas besoin d'être revalorisé.

Stranger_1
@Stranger_2 Ce film restera de toute façon pour avoir été le premier grand personnage incarné par RG, le meilleur acteur de sa génération.

Stranger_2
@Stranger_1 Ce film restera pour avoir été le gros malentendu de l'année 2011, encensé pour quelques choix esthétiques marqués, mais surfaits.

Stranger 1
@Stranger_2 Ce serait oublier un scénario qui revisite les genre (films noirs, de voiture, de gangster) et crée un personnage inédit.

Stranger 2
@Stranger_1 Drive n'est un bon film que sur le papier. A l'écran il ne s'y passe rien d'intéressant. Depuis quand on salue le potentiel ?

Stranger 1
@Stranger_2 Le passage de la qualité potentielle à la qualité concrétisée ne tient qu'à l'intelligence du spectateur.

Stranger 2
@Stranger_1 Sans scénario, The Limits of Control parvenait à être dix fois plus profond que Drive. Avec ou sans spectateur.

Stranger 1
@Stranger_2 Comparer Refn à Jarmush a tout d'un snobisme crétin et inutile.

Stranger 2
@Stranger_1 Je pourrais citer tous les réa que pompe Refn: Kitano, Scorsese, De Palma, Mann, Tarantino ou les frères Coen... Content ?

Stranger 1
@Stranger_2 Ce genre d'argument reste très limité. Drive est un film intelligent qui n'a rien à envier à ses prédecesseurs.

Stranger 1
@Stranger_2 Il contient de telles qualités (jusqu'à la musique ou la photographie) que ton avis ne peut-être pas être exempt de mauvaise foi

Joris
@Stranger_1 @Stranger_2 Vous avez tous les deux à la fois tort et raison.

Stranger_1
@Joris Tu peux développer ?

Stranger_2
@Joris Voilà une intervention qui fait avancer les choses...

Joris
@Stranger_1 @Stranger_2 Contrairement à vous, je n'essaie pas d'avoir un avis qui tient en 140 caractères.

Stranger 2
Les gens qui s'incrustent dans une conversation mais refusent de développer leur avis. #lesgens

Stranger 1
RT @Stranger_2 Les gens qui s'incrustent dans une conversation mais refusent de développer leur avis. #lesgens

Joris

Bon bah j'ai vu Drive. Quelques défauts sans doute, mais j'ai passé un bon moment. Ça m'a fait plaisir de voir un bon film.

A lire également sur Filmosphère, Hop Blog, et chez le Dr Franknfurter (du plus au moins enthousiaste)

Bilan d'avant-la-fin-de-l'année des nouveautés musicale

2011-10-24T10:30:00.001+02:00

Bon ça fait longtemps que j'ai rien écrit sur l'actualité musicale, alors histoire de vous tenir un peu au courant, je fais un update de mon classement, qui bouge un peu, mais pas énormément. Pas beaucoup de nouveauté, et ce pour deux raisons simples: la premiere est que j'ai moins eu le temps d'écouter ce qui sortait, et la seconde est ma réucurrente perplexité face à quelques unes des sorties acclamées (Girls, M83...) ou quelques semi-déceptions. Bref, une année qui se termine doucement pour moi. Voici donc le dernier classement avant la grande fête des classements de fin d'année.

Les coups de coeurs:

Ghostpoet – Peanut Butter Blues & Melancholy Jam (Hip-hop - ANG – février) (=)

Viol – Gun Street (Folk – FR – mars) (=)

Baxter Dury – Happy Soup (Pop – ANG – août) (E)

Stranded Horse – Humbling Tides (Folk – FR – janvier) (=)

Stendeck - Scintilla (IDM/Ambient – SUI – avril) (=)

Les bonnes surprises

Forest Fire – Staring at the X (Rock – US – oct) (E)

Gang Gang Dance – Eye Contact (Dance pop experimental – US – mai) (=)

Hecq – Avenger (Dubstep – ALL – sept) (E)

King Creosote & Jon Hopkins - Diamond Mine (Electro/Folk – UK – mars) (=)

Kurt Vile – Smoke Ring for my Halo (Folk/Rock – US – mars) (=)

Panda Bear – Tomboy (Pop – US – avril) (-)

Radiohead – The King of Limbs (Indie post-electronic-pop – ANG – février) (=)

Robag Wruhme – Thora Vukk (Deep house – ALL – avril) (=)

Thurston Moore – Demolished Thoughts (Folk/Acoustic rock – US – mai) (+)

WU LYF – Go Tell Fire on the Mountain (Indie Rock – ANG – juin) (-)

Les outsiders

A Hawk and a Hacksaw – Cervantine (World – US – mars) (-)

Aes Dana – Perimeters (IDM/Ambient – FR – février) (=)

Agent Side Grinder – Irish Recordings ( Post-punk – SUE – avril) (+)

Beans – End It All (Hip-Hop – US – février) (+)

Bill Wells & Aidan Moffat - Everything's Getting Older (Indie - ECO - mai) (+)

Earth – Angels of Darkness, Demons of Lights (Doom/Post-rock – US - février ) (=)

Fen – Epoch (Black metal – ANG – février) (=)

Kouyaté-Neerman – Skyscrapers & Deities (Jazz-World – FRA/MAL – sept) (E)

Bruce Lamont – Feral Songs for the Epic Decline (Dark folk/Post-metal – US – janvier) (=)

Marcel Kanche – Vigiles de l'aube (Chanson – FR – janvier) (=)

Orelsan - Le chant des sirènes (Hip-Hop - FRA - sept) (E)

Other Lives - Tamer Animals (Indie rock - US - août) (E)

Tim Hecker – Ravedeath, 1972 (Ambient – CAN – février) (+)

Shapes Have Fangs – Dinner in the Dark (Garage psychédélique – US – mars) (=)

Smith Westerns – Dye It Blonde (Garage/Glam – US – janvier) (=)

Breaking Bad - Saison 4

2011-10-12T10:00:00.067+02:00

Comment ai-je pu douter ? Comment ai-je pu croire à un moment que les scénaristes de Breaking Bad ne savaient pas où ils allaient ? J'aurais dû le savoir, que je me trompais. J'étais quand même en train de juger des mecs qui avaient prévu le déroulement de toute la seconde saison dès le premier épisode. Mais non, dès que l'on touche aux séries, on a la mémoire courte. Il faut dire que cette quatrième saison nous a laissé dans l'expectative pendant un bon moment. Évidemment le season premiere a désamorcé l'énorme cliffhanger de la saison précédente, d'une manière dont seule Breaking Bad est capable, avec beaucoup de longueurs et de silences, pour une tension maximale. Mais par la suite, il a pu paraître à de nombreux spectateurs que la série plongeait doucement dans une transition qui avait du mal à se terminer.

Je vous arrête tout de suite, Breaking Bad ne nous a pas servi de mauvais épisodes pour autant. Même quand les enjeux sont mal définis, même quand les personnages sont désorientés, il y a toujours une scène qui vous soulève le coeur, une réplique qui fait frétiller vos neurones ou un plan qui fait pétiller le regard. C'est d'ailleurs le principal reproche que l'on aurait pu faire à la série jusqu'aux semaines passées: une façon de se reposer sur une réalisation irréprochable pour masquer un manque d'inspiration des scénaristes, et une intrigue qui stagne. Mais après tout, n'est-ce pas ce qui constitue l'essentiel de Mad Men, l'autre série phare d'AMC, qui nous fait régulièrement croire qu'il ne s'y passe rien, tout en nous subjuguant à chaque épisode ? Le spectateur à la mémoire courte disais-je, et l'esprit étroit également. La troisième saison avait fini par nous faire croire que Breaking Bad était une série excessivement rythmée.

Il a donc fallu attendre le quatrième épisode pour voir la saison décoller. On découvre une nouvelle menace avec une scène parallèle introductive qui renouvelle un peu le principe des flashforward, qui a été presque abandonné durant cette saison. On comprend enfin sur quels axes va se déployer l'intrigue: Hank se reconvertit avec succès en enquêteur de bureau, Walt et Skyler s'occupent de leur argent, Gus s'occupe de Jesse. « Bullet Points » est l'épisode type du Breaking Bad auquel on était habitué, avec beaucoup de tension, un soupçon d'humour noir et un final qui vous laisse bouche bée. A partir de là, on se dit que c'est parti, et on attend la suite. Mais ç'aurait été bien naïf de croire que les scénaristes allaient gentiment dérouler une intrigue prévisible à partir des clés livrées dans cet épisode. En fait, on ne pouvait imaginer à ce moment de la saison à quel point chacun des éléments avait été mis en place avec une minutie qui fait a posteriori froid dans le dos.

Le meilleur moment de la saison est donc incontestablement « Crawl Space », où on réalise enfin les conséquences de l’enchevêtrement d'intrigues assez difficiles à relier que l'on suit depuis onze épisodes. Tout d'un coup, plus rien n'est acquis. Pas même la sécurité financière que Walt a tranquillement amassé depuis quatre saisons. Ce même Walt que l'on a vu sombrer à plusieurs reprises semble complètement dépassé, irrécupérable. Il a passé plusieurs moments dans la saison à s'auto-convaincre de son importance, de sa capacité à s'en sortir, avant de plonger totalement et d'être face à son inutilité. Walt a perdu sa famille, et il ne parvient plus à se faire respecter. Il n'est plus Walter White, mais il ne parvient plus à devenir Heisenberg. De son côté Skyler a voulu résister à son mari en prenant les choses en main, mais elle se rend rapidement compte qu'elle se rapproche de ce qu'elle déteste chez son ex-mari. La famille White apprend à ses dépens que la criminalité ne s'improvise pas.

Quand on se prend un tel retour de manivelle dans la figure, on s'en veut d'avoir douté de la capacité des scénaristes à s'en sortir, de la même façon qu'ils nous font douter de celle de Walt. Si le milieu de la saison a pu être occasionnellement brillant dans quelques scènes (Jesse dans « Problem Dog », le flashback dans « Hermanos »), c'est sans conteste à la fin que l'on prend conscience que la série n'a reculé que pour sauter plus loin. Tout va très vite, comme si l'on avait patiemment monté un chateau de cartes qui s'écroule subitement sous nos yeux. Les personnages ne parviennent plus à raisonner, à l'exception notable de Gus, qui domine toute la saison de son regard froid. Evidemment, c'est le seul qui est dans son élément. Jesse n'a aucune idée de la bonne manière d'agir (l'excellente scène où il insulte les chimistes du cartel -excusez du peu- en témoigne), et tente tant bien que mal de s'adapter à son nouveau rôle, à l'image des autres personnages.

Ainsi, les deux derniers épisodes sont purement géniaux et figurent parmi les tout meilleurs de la série. Adoptant un rythme lent assez audacieux pour une fin de saison, ils déploient une intelligence remarquable pour nous offrir un retournement de situation dont on ne se doutait pas jusqu'au tout dernier plan. Et tout se remet en place, la scène de « End Times » où Walt semble jouer à la roulette russe tout seul sans qu'on comprenne vraiment ses pensées, ainsi que tout un tas de détails qui sont passés inaperçus avant le mindfuck final. Et Walt devient, sans que l'on s'en soit aperçu, le personnage le plus terrifiant de la série, et parmi beaucoup de séries. Comme si l'auto-conviction n'en était finalement pas.

Même la dernière scène de Gus, qui a pu sembler assez outrancière pour beaucoup, ne fait que renvoyer à une image d'homme intouchable, de « Terminator », que les scénaristes ont progressivement construit au fil de la saison. Cependant, même si la série n'a jamais été hyper-réaliste, ces sursauts parfois grossiers de spectacle « bigger than life » peuvent décevoir, comme la passion des réalisateurs pour le « Cool guys don't look at explosions » et ce genre de choses (c'est une tendance qui s'amplifie à chaque saison. Souvenez-vous des "cousins"). Cependant, la série a su garder son identité visuelle, en nous gratifiant régulièrement de passages génialement réalisés (cf vidéo ci-dessus), même si cela a parfois viré à la démonstration. Mais il a fallu beaucoup d'audace (et de talent) à Vince Gilligan et à ses scénaristes pour livrer une telle saison. Plus encore que la saison 2 qui se renfermait sur elle-même, cette saison semble à l'étroit dans son format, ce qui a provoqué une certaine inégalité dans la qualité et dans la densité des épisodes. Mais l'avantage des séries et de leurs spectateurs à la mémoire courte, c'est que le grandiose de la fin de saison rejaillit sur tous les épisodes précédents, et aboutit à l'effet voulu par les créateurs.

En bref, cette quatrième saison fut, intrigue exceptée, peu surprenante finalement. Les personnages que l'on connait désormais très bien ont été parfois sous-exploités (Hank, une fois de plus exclu du dénouement final qui aurait pu être le sien), et les caractéristiques formelles de la série ont parfois frôlé la caricature. C'est ce qui arrive quand une série atteint un tel niveau de qualité et d'originalité, les exigences deviennent démesurées et le fonctionnement de la série devient transparent. Mais malgré ces inquiétudes passagères, à aucun moment la série n'a basculé du mauvais côté, et chaque épisode a toujours su nous combler, à plus ou moins grande échelle. Après cela, la dernière saison s'annonce particulièrement excitante, reposant sans doutes les principes de la série au centre de l'intrigue (comme le cancer, grand oublié de cette saison), ce qui offrira certainement matière à innover. En fin de compte, cette saison était peut-être la plus difficile à réaliser si l'on imagine le plan de Vince Gilligan, mais Breaking Bad reste incontestablement, en terme de qualité d'écriture, d'interprétation et de réalisation, une des meilleures séries diffusées actuellement. C'est on ne peut plus confirmé.

Episodes 1-6

Episodes 7-13

Le mec le plus cool du monde

2011-10-10T14:22:00.007+02:00

Vient de Normandie. On le voit partout à la télé depuis 2 semaines, c'est évidemment Orelsan. Pour ceux qui ne connaissent pas, Orelsan c'est le mec qui a donné un bon coup pied au rap français à la fin de la décennie précédente. C'est aussi un mec qui fait passer TTC pour des minables avec « St Valentin » et son pote Gringe, et puis pour clore le tout, on en a parlé dans les plus hautes sphères de notre pays (Ségolène Royal entres autres, même si sa carrière politique vient de s'écraser, ça compte, et puis à l'Assemblée Nationale.) (Sérieusement, t'imagines, tu balances un morceau, et on en parle à l'Assemblée Nationale ? La classe quand même. Bref.)

Rien qu'avec ce petit topo, je suis persuadé que le gars vous est déjà très sympathique. Mais ne nous laissons pas avoir par les courants de surface. Si j'ai l'honneur aujourd'hui de décerner le titre de « Mec le plus cool du monde © » à Orelsan, ce n'est pas seulement parce qu'il a énervé cette chère Ségolène. Ecouter un album d'Orelsan, c'est un peu comme faire une grosse soirée entre potes. Genre pizza/bière sur canapé, avec Caen-Sochaux en bruit de fond. On parle de sa petite vie, les discussions tournent rapidement à un concours de qui à la plus grosse mais on s'aime bien quand même. Et Orelsan ce serait ton pote qui a toujours le bon mot, une excellente répartie et beaucoup d'autodérision. Comme un Chandler Bing décomplexé. Quand il te parle, tu te sens proche de lui. Parce qu'il cherche jamais à t'enfler. Même quand il fait le mec sûr de lui, t'as pas envie de lui foutre des baffes pour le faire redescendre, t'as envie qu'il continue.

Beaucoup de mecs ont prétendu donner au rap ses lettres de noblesse en usant de références plus pointues que la moyenne, ou en se prenant pour Gainsbourg. Mais ce n'est pas faire honneur au genre que de chercher à le faire ressembler à ce qu'il n'est pas. On lui parle d'une référence à Homère dans un de ses textes, comme s'il fallait ça pour lui donner du crédit. La « sous-culture » on te dit ! Pour une référence à Homère il y a une bonne vingtaine de références à tout plein de trucs pas très recommandables et pas très intellectuels. Parce que le rap c'est pas de la poésie, l'inspiration vient pas en lisant Rimbaud mais en regardant One Piece.

Orelsan aime le rap et ça se sent. Il aime les instrus qui déboitent même si son truc à lui c'est d'écrire: « J'fais ça pour le plaisir parce que j'trouve que j'déchire ». Le dyptique « 1990 / 2010 » en est la preuve éclatante, faisant le grand écart entre deux époques, sans tomber dans la nostalgie. En quelques punchlines bien senties, Orelsan rappelle à tout le monde que le rap n'est pas forcément contestataire, et qu'il n'a pas besoin de s'attaquer à quelqu'un pour garder toute sa force. Pas obligé de se faire passer pour ce qu'on est pas non plus, de se donner un genre, d'être un banlieusard et d'avoir grandi dans la rue. Le premier album Perdu d'avance se rapprochait d'avantage des lyrics d'un Mike Skinner, récit mordant d'une vie souvent pathétique.

Pourtant on aurait tort de trop le rapprocher du rappeur anglais. Orelsan est bien plus classique dans sa méthode et bien moins sérieux. On a beau chercher à le rendre sérieux, on se plante. Les gens s'en donnent à coeur joie sur « Suicide Social » en y trouvant plein de critiques du « système ». Alors qu'au contraire à force de taper sur tout le monde la chanson démonte tous les principes du rap conscient, et le meilleur passage est sans doute le moins défendable: « C'est la loi du marché mon pote, t'es bon qu'à te faire virer / Ca t'empêchera t'engraisser ta gamine affreuse / Qui s'fera sauter par un pompier, qui va finir coiffeuse ». L'art du décalage toujours, en se faisant passer pour un super-hero torturé alors que n'importe qui vous dirait qu'on ne trouve personne de plus charmant, avec son accent bas-normand.

Le chant des sirènes est sans doute pas le meilleur album rap de l'année, mais c'est mon préféré, de la même façon que j'préfère boire et dire n'importe quoi avec de vieux amis que de participer à une conférence sur la notion de modernité. Alors oui, quand il part en freestyle, t'as pas envie de l'arrêter. T'as envie d'être à côté de lui en balançant les bras en l'air. T'y crois à fond quand il balance des « Mais bordel j'ai fait l'plus dur / Autant tenter un salto avant d'échouer au pied du mur / […] J'vais r'tourner l'opinel entre les points de suture » Chaque pique, chaque ligne d'ego-trip rend le personnage plus attachant, et son retour plus fracassant. Irrévérencieux et insolent, tu te sens comme face à un pote qui fait son one-man-show après avoir un peu trop bu. T'écarquilles les yeux devant son audace, t'assumes pas trop d'aimer ses vannes bordeline « J'aime voir l'amour dans les yeux d'une filles / Avant que mes spermatozoïdes cherchent à féconder sa pupille », t'as envie d'éclater de rire et en même temps t'es complètement ivre de fierté. « Putain je t'aime mec ! », le genre de choses qui finissent par se passer en fin de soirée.

Même s'il a changé, même s'il a plus la même vie, ça reste ton pote, et t'adores toujours autant l'écouter. Il te raconte sa vie de star de la même façon qu'il racontait ses cuites en Normandie. Et même dans la discussion part dans le social, il garde toujours la même verve, sans faux-semblant: « Qu'est ce qu'il pouvait faire d'un déchet humain ? Lui éclater le crâne entre pierres, l'enterrer à côté du chien ». Il te raconte ses problèmes de meuf avec une sincérité désarmante, « Mais j'savais qu'j'allais perdre ce jeu comme si j'en avais marre d'être heureux », et se confie sans en faire trop, sincére mais sans faire déprimer l'assemblée: « Des fois je me sens vraiment bien, des fois c'est du bluff / Des fois je fais des blocages, j'parle pas de faire du smurf ».

Et puis toutes ces petites maladresses, tous ces refrains mal assurés, tous ces petits détails qui donnent l'impression que le gars est vraiment en train d'improviser comme ça, en live. Il vient de « ramener la concurrence à l'age de pierre », et casse le truc d'un coup en « remerciant ceux qui l'ont soutenu ». Ces coups de téléphone plus vrais que nature, cette irruption de Gringe sur un freestyle démentiel... Pas de faux semblants chez Orelsan, mais une vraie démarche artistique*. Ce qui fait qu'au bout du compte on accepte tout venant de lui, on reste toujours de son côté. Même quand il nous dit « J'suis pas là pour me faire des amis / J'préfère extorquer des gamines suicidaires featuring Jena Lee » Le chant des sirènes c'est la meilleure soirée de l'année, celle qui te laissera des trous dans la tête, et dont tu reparleras à tout le monde. Avec des potes comme Gringe et Skread ça peut être que du très lourd. D'aucuns ont été surpris de la réactivité de ses fans. Evidemment, tu t'attaques à leur pote. Tu t'attaques à mon pote d'ailleurs, Orelsan c'est le mec le plus cool du monde, « Pauvre conne, lèche moi les noix ! ».

Ah et on en parle ailleurs, sur SWOMMB et Esprits Critiques.

*: Peut-être pour ça que ceux qui l'ont défendu lors de l'affaire "Sale Pute" n'ont pas défendu les immondices de Morsay, au grand dame de certains médias qui ont bien retourné leur veste depuis.

Top 5: Scènes de films. Part 3: 1990 - 2009

2011-09-29T23:34:00.000+02:00

Je termine donc ma série de tops par les films les plus contemporains. Que dire en conclusion ? Beaucoup auront sans doute pensé que j'ai finalement été peu original dans mes choix, et ce n'est pas cet épisode qui les contredira, mais comment surprendre dans un exercice éculé, avec un choix restreint et des connaissances superficielles ? De toute manière je préfère de loin parler d'un sujet rebattu qui me tient à coeur plutôt que d'un sujet marginal avec peu de passion. J'aurais l'occasion de parler de choses plus confidentielles avec d'autres tops moins généraux (car cela ne fait que commencer, ahah !) (mais je vais pas faire que ça non plus hein, même ça serait plus simple).

Dead Man - Jim Jarmusch (1995)

La conquête de l'Ouest par Jarmusch: une société malsaine et des paysages sublimes, un personnage qui erre sans but. Je ne suis toujours pas sûr d'avoir bien compris de quoi il retournait dans Dead Man, mais ça ne m'empêche pas d'adorer le film. Parce que Jarmusch fait partie de ces réalisateurs avec une personnalité, qui nous ferait aimer n'importe quoi:

Un prophète - Jacques Audiard (2009)

Romain Duris avait eu un de ses plus grands rôles avec De battre mon coeur s'est arrêté en 2005, et pour Un prophète, Tahar Rahim signe rien de moins qu'une des plus remarquables prestations de la décennie, si ce n'est plus. Son personnage ambigu porte sur ses seules épaules (enfin presque, merci Niels Arestrup) un film à la morale incertaine, remarquable dans tous les domaines et qui affirme si c'était nécessaire que Jacques Audiard est un des plus réalisateurs français actifs:

There Will Be Blood - Paul Thomas Anderson (2008)

Ah, les grandes fresques, ça fait toujours son petit effet. Surtout quand ça se passe aux Etats-Unis, en pleine période d'expansion économique (déjà bien entamée à cette époque tout de même). Et que dire de ce duel entre fougue religieuse et pragmatisme économique ? De loin There Will Be Blood semble nous caresser dans le sens du poil, mais c'est oublier une mise en scène sans concessions et une galerie de personnages n'ayant pas grand chose à voir avec les grands standards des films américains. Du grand cinéma en 2008 c'est encore possible, et ça donne évidemment de grandes scènes, avec Daniel Day-Lewis en prime:

Lost in Translation - Sofia Coppola (2003)

Sans doute le seul film de Sofia Coppola sur lequel je n'ai aucune réserve. Tous ses films se ressemblent, mais celui-là est sans conteste le meilleur, à tout point de vue. En plus, il y a Scarlett Johansson et Bill Murray, c'est comme si ce film avait été réalisé pour que je l'aime. Bref, voilà un film qui représente on ne peut mieux le cinéma indépendant d'aujourd'hui:

Buffalo '66 - Vincent Gallo (1998)

Le premier film de Vincent Gallo, un peu plus accessible que The Brown Bunny, mais tout aussi Gallo-esque. L'acteur y joue un personnage insupportable mais qui devient rapidement très touchant. Réalisé d'une main de fer, Buffalo '66 est un pur film d'auteur, intransigeant mais extraordinaire (tellement relou le Gallo qu'on va devoir se contenter d'une bande-annonce de mauvaise qualité et PAS DU TOUT dans l'ambiance du film):

Fargo - Joel & Ethan Coen (1996)

Mon amour pour ce film est sans limites, j'ai déjà eu l'occasion d'en parler. Ca fait partie de ces quelques films dont j'apprécie chaque scène, chaque réplique, regard et respiration, chaque plan et musique. Difficile d'en dire plus, je me contenterais d'une scène, courte, avec Steve Buscemi qui régale:

Pulp Fiction - Quentin Tarantino (1994)

Captain Obvious est dans la place ! Mais en même temps, comment parler des grands films des années 90 et 2000 sans parler de Tarantino ? Je ne suis pas un cinéphile suffisamment marginal pour me le permettre. Comme tout le monde, je trouve Pulp Fiction génial, au même titre que Fargo ci-dessus, et c'est sans doute parce que c'est effectivement le cas. J'aurais cependant tout aussi bien pu mettre une scène de Reservoir Dogs, mais n'abusons pas de Steve Buscemi* (je sais, j'ai bien mis De Niro 3 fois la dernière fois...):

*: Oups, Steve Buscemi se cache dans cette scène, sauras-tu le retrouver ?

Top 5: Scènes de films. Part 2: 1970 - 1989

2011-09-27T10:00:00.000+02:00

Comme je le disais en commentaire l'autre jour, cette période est sans doute celle où mes lacunes m'apparaissent les plus flagrantes. Car si les classique hollywoodiens de la période précédente n'ont qu'un charme désuet à mes yeux (assurément trompeur cela dit), ceux de cette période correspondent davantage aux films qu'il fait bon de citer chez les jeunes de mon âge (je parle comme un vieux c'est ouf). Sans doute parce qu'ils sont interprétés par des acteurs que l'on a connu vivant, et encore en forme. Et puis par pression sociale. Déjà que ma faible connaissance de Kubrick m'exclut de beaucoup de conversations cinéma en soirée (alors que merde, il n'y a pas que lui). Voici donc une liste non-exhaustive des films (classique ou potentiellement dans mon panthéon) qui auraient pu figurer dans cette liste si je les avais vu en entier: Badlands de Terrence Malick, Deep End de Jerzy Skolimowski (ceux-là sont ressortis récemment en plus, c'est doublement raté), One Flew Over the Cuckoo's Nest de Milos Forman, Clockwork Orange de Stanley Kubrick, A Dogday Afternoon de Sydnet Lumet, Elephant Man de David Lynch...

Ceci étant dit, entamons la liste des scènes de films pour la période 70-80, non moins indispensable, sans doute peu originale (mais l'exercice se prête peu à l'originalité en même temps), mais en tout cas vous pouvez être sûrs que ceux-là, je les ai vus et revus et adorés:

The Shining - Stanley Kubrick (1980)

J'ai beau avoir des réserves sur le succès unanime de Kubrick, The Shining reste tout de même un film exceptionnel, autant grâce au talent de Jack Nicholson que grâce aux superbes images de Kubrick. Encore une fois, énormément de scènes sont marquantes, il en fallait une (sans Shelley Duvall évidemment):

Brazil - Terry Gilliam (1985)

Toujours dans les films étranges aux images inoubliables, même si on est ici dans un autre registre. J'ai toujours beaucoup aimé les films basés sur des dystopies pour leur ambiance si particulière, et évidemment Brazil est le must dans sa catégorie. Une scène ? Avec De Niro évidemment:

Manhattan - Woody Allen (1979)

Evidemment la question est: Annie Hall ou Manhattan ? J'ai bien du mal à les départager, alors pour simplifier la chose, je prends le film que j'ai vu le plus récemment, et dont je me souviens le mieux. Tous les films de Woody Allen se ressemblent, donc pas la peine d'en parler pendant des heures:

The Deer Hunter - Michael Cimino (1978)

J'en ai déjà parlé (très) longuement ici, donc sans plus attendre (je vous épargne les scènes de roulette russe, j'ai pas envie de vous faire fuir):

Avant de partir - The Deer Hunter par jedall

Taxi Driver - Martin Scorsese (1976)

Encore une fois, j'en ai déjà beaucoup parlé. Et pour faire face à toute remarque, je préfère Taxi Driver à Raging Bull pour des raisons assez complexes, un mélange entre l'esthétique et le thème. Disons que le premier part avec plus d'affinités potentielles que le deuxième, et parvient à conserver l'avance. J'évite autant que possible la scène la plus connue de l'histoire du cinéma, pour une autre, avec Harvey Keitel:

Top 5: Scènes de films. Part 1: 1930-1969

2011-09-25T22:40:00.002+02:00

Dans la lignée de mon éminent collègue Blake (Blake Edwards ? William Blake ? James Blake ? Blake Lively ? le mystère restera à jamais entier...) je décide de moi aussi parler des quelques films que j'aime bien, en faisant des Tops évidemment, sinon c'est pas drôle. Et comme c'est pas facile de choisir (ou juste de trouver une liste de films qui me convienne), je vais faire ça en 3 parties. Bon, c'est aussi un peu pour meubler, mais bon, on va faire comme si ça se voyait pas, un peu comme un épisode moyen dans une série, ça avance pas mais on reste fidèle. Bref, voici 7 scènes de films des années 30 aux années 60 (oui parce que je suis pas méga calé sur cette période du haut de mes 21 ans, et je me souviens plus des films expressionnistes allemands des années 20 que j'ai vu... Donc je fais un liste pour 40 ans, alors qu'après ce sera une liste pour 20 ans).

The Misfits - John Huston (1961)

J'en ai déjà parlé il y a peu, donc pour aller vite, il y a quelques raisons pour trouver ce film génial: Marilyn Monroe, et John Huston, réalisateur et metteur en scène brillant, symbole de l'âge d'or d'Hollywood. J'aurais pu choisir les films plus classiques, mais il n'y avait pas Marilyn Monroe, ni ce charme étrange du scénario, à la charnière entre deux époques.

Il y a deux scènes qui ont mes faveurs dans ce film: la première est celle ou Marilyn Monroe joue au tap ball pendant plusieurs minutes avec tout un tas d'hommes en train de picoler et de miser de l'argent autour, et la seconde, plus classique et dramatique, que voilà:

It Happened One Night - Franck Capra (1934)

Avec un Clark Gable plus jeune et plus fringuant, qui invente le personnage de Bugs Bunny avec une coolitude légendaire. Une proto-comédie romantique savoureuse:

Rear Window - Alfred Hitchcock (1954)

Pourquoi ? Parce que James Stewart + Grace Kelly par Hitchcock. Ca se passe de commentaires. Difficile de sélectionner une scène (d'autant qu'on en trouve peu sur Internet), donc on se contentera de ça:

Freaks - Tod Browning (1932)
Ce film est parfait. Il a tout ce qu'on pouvait demander à un film à l'époque, et même plus que ça: de l'humour, de la romance, de l'action, du suspense, un petite morale pour bien faire et surtout, beaucoup d'audace. Les freaks nous entraînent dans un monde surnaturel avec plusieurs scènes qui hissent "La monstrueuse parade" au rang de film culte, bien avant les génies de l'étrange qu'on connait depuis la fin des années 70:

Freaks V.O.S.T (Tod Browning) par yvon62100

The Night of the Hunter - Charles Laughton (1955)

L'esthétique et les personnages de ce film sont tellement bien ficelés que chaque scène est plus marquante que la précédente. Du discours de Robert Mitchum sur l'amour et la haine aux diverses scènes de meurtre, tout reste imprimé dans votre mémoire. En ce qui me concerne c'est particulièrement cette scène:

Baisers Volés - François Truffaut (1968)

Grâce à l'excellent Jean-Pierre Léaud, la série des Antoine Doisnel est un monument du cinéma français (au moins les deux premiers films). L'acteur enfant nous avait servi quelques scènes brillantes, et c'est ici dans un registre plus léger qu'on le retrouve, toujours à côté de la plaque, toujours lui-même, avec la sublime Delphine Seyrig, pour un hommage aux romans de Balzac et Flaubert:

Blow Up - Michelangelo Antonioni (1966)

Nathan serait bien plus prolixe que moi sur le sujet, même si je suis bien plus adepte de la période américaine du réalisateur que de sa période italienne (j'entends "Sacrilège !"). Bref, Blow Up c'est un peu comme Rear Window 15 ans après, avec tout ce que cela implique sur le fond et la forme. Ma scène préférée n'est pas disponible (avec ce dialogue: « I'm fed up with those bloody bitches. I wish I had tons of money. Then I'd be free - Free to do what? »), mais qu'à cela ne tienne, elles sont toutes dignes d'intérêt, en particulier celle-ci (ne comprendrons que ceux qui auront vu le film):

Pierrot le Fou - Jean-Luc Godard (1965)

La Nouvelle Vague dans ce qu'elle a de plus agaçant, beaucoup moins soft que celle de Truffaut. Oui, mais malgré tout ce que ce film et ce réalisateur portent de connotations négatives aujourd'hui, Pierrot le Fou fut et reste pour moi une vraie sensation cinématographique. Grâce à ce Belmondo là, évidemment, et puis grâce à Anna Karina, et à tout les détails qui rendent ce film inoubliable:

First Impressions of Earth

2011-09-16T12:04:00.001+02:00

« Voilà des semaines que je me raconte des histoires à moi-même pour ne pas commencer à écrire. Mais la vérité vraie, je la connais à présent: je n'ai pas encore écrit parce que j'étais trop fatigué. » C'est ainsi que commence le livre sur lequel je vais travailler une partie de l'année. Dès les premières lignes, j'ai été surpris de voir à quel point il en était de même pour moi. J'espère que ce livre ne sera pas prémonitoire jusqu'au bout, auquel cas il semblerait que je me vois affligé d'une belle amende dans les semaines qui suivent, à en croire la table des matières.

C'est à ce moment là que je me suis dit « Damn ! Mais quand va tu te bouger le cul, for God's sake ! », car j'ai toujours eu un faible pour les exclamations anglaises et qu'il fallait sérieusement que je fasse quelque chose. J'ai donc eu plusieurs idées: « Pourquoi ne parlerais tu pas de tes cours ? » et puis je compris que ce n'était pas intéressant. « Pourquoi ne parlerais tu pas de ton nouvel appartement, de comment il est cool et tout ça ? » et puis je compris que ce n'était pas beaucoup plus intéressant (mais un peu quand même). « Hey, pourquoi ne parlerais tu pas d'un truc que t'as aimé ? » et je vis que c'était la bonne. Juste avant de comprendre que cette simple idée résumait la quasi-intégralité de mon blog, mais bref, passons.

D'ailleurs j'aurais pu parler de Bref, mais je me suis dit que tout le monde l'avait déjà fait dès la première semaine, que la série avait déjà 500 000 fans dont un dixième de mes propres amis. Là je me suis senti un peu nul, et puis je me suis dit que de toute façon il n'y avait pas grand chose à dire sur quelques épisodes de 2 minutes si ce n'est que ça me faisait rire. C'est à ce moment que j'ai décidé d'arrêter de penser et d'écrire comme dans la série.

Le dernier truc que j'ai aimé, c'est Super 8. Mais c'est typiquement le genre de film qu'on a adoré mais dont il n'y a pas grand chose à dire. Ça ressemble beaucoup à du Spielberg, mais en moins niais, avec une super scène de train qui déraille et un monstre encore mieux que celui de Cloverfield. Et y'a Elle Fanning, qui est certes encore très jeune, mais qui est bankable dans mon petit monde*. Tout le monde a dit que c'était du Amblin tout craché, tout le monde a eu raison, tout le monde est content, et tout le monde n'aura donc pas à relire un autre article sur le sujet, bien que j'ai la prétention de penser que tous mes articles sont intéressants, pour la simple raison que ce sont mes articles. Mais ce n'est pas à moi de juger de cela.

Parlons donc de Melancholia. Que j'ai vu il y a trop longtemps pour livrer une critique passionnée et passionnante, mais qui reste pour moi la plus grande sensation cinématographique de cette année. J'avais commencé à écrire un article dessus mais je ne l'ai pas fini. Parce que les Cahiers du Cinéma ont fait tout un dossier dessus, et que j'ai eu l'amère sensation que je n'aurais pu faire mieux qu'une maigre synthèse. Dois-je me désabonner ? Je pense que non, d'une part parce que cette réaction serait stupide et disproportionnée, et d'autre part parce que c'est un cadeau, et que je suis quelqu'un d'honnête. Dans mon article il y avait la fameuse citation de T.S. Eliot que j'aime beaucoup, citée par Paul Kinsey dans Mad Men: « C'est ainsi que finit le monde, pas dans une détonation, mais dans un murmure. » Citation qui devient très intéressante et paradoxale quand on pense au film car Lars von Trier parvient à mêler l'intimité d'un murmure au grandiose d'une détonation, le tout avec une cohérence remarquable. Car même si chacun des chapitres du film est caractérisé par une mise en scène propre, la musique de Wagner fait peser une tension constante, sur chaque moment. Les futilités mondaines se mêlent au destin de la planète, chaque pique sournoisement murmurée résonne comme une détonation et la portée de l'explosion finale semble réduite à celle d'un terrain de golf.

Le réalisateur danois va en fait bien au-delà de la dichotomie involontairement proposée par le poète. Il embrasse tout l'éventail des possibilités. Je m'attendais à un film en contrepied des habitudes hollywoodiennes, ce qui est plus ou moins le cas. C'est le cas dans le traitement du sujet, qui s'attarde plus sur le ressenti de trois personnages, mettant par là en relief leur propre rapport à la vie, et à la vérité. Ce qui nous offre une splendide illustration de la mélancolie, autant par l'interprétation de Kirsten Dunst que par l'opposition que lui fournit Charlotte Gainsbourg. Mais Lars von Trier cède tout de même au grandiose, donnant l'impression de le faire contre son gré parfois, comme en témoigne la réaction cynique de Justine face à la question de sa soeur: « Comment allons nous passer notre dernier instant sur Terre ? ». En même temps, combien de films hollywoodiens ont effectivement montré la destruction de la planète, sans espoir de survie ? Là réside la vraie personnalité de Melancholia. Pas tant dans son esthétique léchée ou dans ses références picturales soigneusement choisies que dans la lourdeur inéluctable qui pèse sur chaque instant, au point que l'on ressort de la séance complètement lessivé et abattu.

Voilà ce que j'aurais dit sur Melancholia si j'avais trouvé le temps de finir mon article. Et j'aurais mis une bonne petite note, genre le maximum**. Il faudra vous contenter de cela pour aujourd'hui. Dans mon livre, le narrateur finit par écrire des centaines de pages sur des sujets très différents, espérons qu'il en sera de même pour moi d'ici peu.

*: A quel point est-ce bizarre d'admirer une actrice de 12 ans ? J'ai du mal à me rendre compte.

**: Et puis j'aurais mis 5/6 à Super 8 tant qu'on y est.

I'm still here

2011-09-01T22:07:00.002+02:00

Avouez-le ça vous a pourri votre été. Pas la pluie bien entendu, mais cette question qui est restée jusqu'ici sans réponse: Tasca Potosina sera t-il reconduit pour la saison 2011/2012 ? Les inrocks s'en sont émus, Telerama s'est inquiété, Teknikart n'en a pas dormi et Rock & Folk... ne s'en est pas préoccupé. Sur Twitter les rumeurs les plus folles ont circulé: « On aurait vu Joris sévèrement blessé après s'être fait piétiner au Festival Interceltique. » « Il paraît qu'il s'est étouffé avec une crevette panée. » « L'autre jour il m'a dit qu'il partait en Guadeloupe boire de la bière et manger du saucisson. » « J'ai un pote aux States qui sait de source sûre qu'il prépare un album avec MF Doom qui s'appellera Maska Tacks! » « Il a remplacé la voix de Secret Story » « Il n'a plus accès à Internet » et on ne vous parle que des plus farfelues. Après une fin de saison un peu morne, il faut avouer que l'on avait les plus sérieuses raisons de douter du bien-être physique et mental du jeune homme. Et alors que la rentrée est le marronnier de l'actu en ce moment, et qu'on finissait par désespérer, le voilà qui sort de sa caverne à une heure tardive pour s'adresser à ses lecteurs. Sans plus attendre, voici son communiqué:

« Chers lectrices, chers lecteurs,

C'est avec une joie non feinte que je vous annonce que Tasca Potosina reprendra du service à partir du moment où sera diffusé ce communiqué. L'été étant à présent terminé- bien que comme beaucoup sans doute j'ai régulièrement douté qu'il ait commencé- il est temps pour moi de reprendre mes activités. Mais remettre la machine en marche ne se fera pas sans mal. Je n'ai presque pas eu de contact avec le monde extérieur pendant deux mois. Et même en saison sèche, cette déconnexion laisse des traces. J'ai acheté le dernier Tecknikart pour me remettre à la page, mais je regrette un peu mon achat. J'ai certes replongé dans l'actualité culturelle de la rentrée, mais j'aurais préféré que cela se passe autrement. Cela dit j'y ai retrouvé le courage nécessaire pour continuer l'aventure, en restant toujours aussi éloigné que possible des travers de la presse écrite- que je respecte évidemment, mais qui ne correspond plus vraiment à mes attentes. A partir de maintenant j'arrête d'écouter « Man Down » de Rihanna, même si je trouve que c'est une bonne chanson, et je cherche quelque chose de neuf à me mettre entre les oreilles, et à vous proposer.

Hélas, cette ardeur retrouvée doit déjà faire face à un obstacle, et non des moindres. Si j'ai pu me consacrer à ce blog tous les jours la saison passée, c'est grâce à une situation géographique et scolaire qui ne me prenait que très peu de temps. Or cette rentrée marque également pour moi le retour d'une vie mieux remplie. Vous n'imaginez sans doute pas la montagne de choses qui m'attend. Je ne l'imagine d'ailleurs pas moi-même. Cette saison, Tasca Potosina ne sera donc pas ma priorité, bien que j'ai toujours veillé à ce que ce ne soit jamais le cas. Le travail en dilettante assure une humilité parfois salvatrice. C'est pourquoi dès maintenant je quitte ce ton ampoulé fort désagréable avec lequel je m'exprime depuis tout à l'heure.

Cette année sur Tasca Potosina: moins d'articles! Mais des articles mieux! Promis les amis. Stay tuned. C'est tout, pour le moment.

Bisous »

Route du rock !

2011-08-13T21:38:00.002+02:00

Ce n'est sans doute pas une nouvelle pour tout le monde, mais je suis un fidèle de la Route du Rock depuis 4 ans déjà, et c'est avec joie que j'ai appris au dernier moment que je pourrais participer à ma cinquième édition. Oui, parce que vous avez tous remarqué que je n'avais pas beaucoup de temps en ce moment. Tellement pas que j'ai failli louper le week-end que j'attends le plus dans l'année. Les joies de l'intérim... Bref, ce vendredi 12 août 2011 fut assez mouvementé, surtout pour moi qui suis maintenant si coutumier du Fort St Père que j'y vais un peu comme on va chercher le pain - un brin d'excitation en plus, quand même.

Mais là ce fut un peu différent. Levé avant 4h (rien que ça c'est fort inhabituel), je file à la gare pour 14h, passe en coup de vent chez moi sur les coups de 18h, histoire d'être propre avant de me salir, et me voilà déjà pressé par le temps. Fort heureusement, le temps je m'en fiche un peu, car j'habite non loin de la cité malouine, et qu'après avoir cru pendant presque 3 semaines que je ferais une croix sur le festival, peu importe l'heure à laquelle j'arrive. Vient le moment crucial: que mettre ? T-shirt cool ou chemise à carreaux ? Ne riez pas, ce sont les seules possibilités qui s'offrent à vous quand vous allez là-bas. C'est comme ça que j'ai reconnu les festivaliers à la gare de Rennes. Les jeunes bacheliers branchés, les barbus avec des tentes, les quarantenaires qui ont du mal à vieillir, tous n'ont pas su trouver de troisième option pour leur tenue. Pour ne rien changer, j'ai décidé qu'une fois de plus je serais le barbu avec une tente et un T-shirt. Je ne peux pas encore assumer de me fondre dans la masse des chemises à carreaux. Et puis la seule que j'ai était au sale, alors...

Le trajet fut laborieux, une fois de plus. Si ce n'est que maintenant j'ai une ou deux astuces pour ne pas me faire avoir trop longtemps dans les bouchons. Le temps de se garer, de monter la tente, de saluer quelques visages connus, de marcher (Dieu que c'est long, j'oublie à chaque fois) jusqu'au site, et me voilà prêt juste à l'heure pour le concert de Sebadoh. C'est ce qui s'appelle bien gérer son timing. La bande à Lou Barlow livre un set "agressif, pour ne pas qu'on perçoive les erreurs". C'est plutôt réussi et on fait un bond de vingt ans en arrière (ça fait beaucoup pour moi, mais on se comprend). Le genre de concerts qui fait énormément plaisir pour commencer, même si la succession de morceaux courts et saturés ne parviennent jamais vraiment à faire monter la température (même s'il faisait plutôt beau temps, c'est suffisamment rare pour être noté). On retiendra un groupe un forme, qui prend du plaisir à jouer, quelques morceaux de qualités, mais rien qui puisse effacer le sentiment que Sebadoh n'appartient plus vraiment à cet époque.

La suite annonçait également une reformation, mais pour un résultat tout à fait différent. C'était la deuxième fois que je voyais Electrelane, mais j'étais un peu passé à côté de leur prestation de 2007, innocence juvénile oblige. La séance de rattrapage fut monumentale, tout simplement. Commençant tout doucement pour accompagner les derniers rayons du soleil, les quatre filles de Brighton ont livré une prestation exceptionnelle, comme on en voit que rarement. Un concert maitrisé parfaitement avec cette petite touche de folie et de sex appeal qui fait que tout devient magique. Une très bonne surprise pour moi, et une bonne raison pour d'autres d'affirmer qu'Electrelane est le groupe le plus sous-estimé des années 2000.

Après cela, tout devient un peu fade, et j'en profite pour regarder autour de moi. Un petit gobelet pour agrandir la collection (beaucoup moins beau que celui de l'édition 2009 malheureusement, sauf si on prenait une pinte, mais lâcher 5€ pour un demi litre de mauvaise Kro ça m'emmerde un peu), puis je passe faire un tour au stand des labels pour faire mon intéressant. Comme d'habitude, aucune bonne nouvelle concernant Flotation Toy Warning chez Talitres, Kütü Folk me vante les mérites de ses pochettes cousues main, et veut me présenter Zak Laughed, sauf que ce dernier a disparu avant le concert d'Electrelane. Je discute des Finkielkrauts avec Another Records (qui étaient pas loin eux aussi), bref on a vraiment l'impression d'être entre potes. Malheureusement je n'ai pas réussi à avoir de réduction sur mes achats. C'est con quand même, c'est le seul moment de l'année où je m'efforce d'être sympathique, mais je n'ai aucun retour... D'ailleurs si l'an prochain vous me croisez, profitez de mon jour de bonté, je n'oserais pas vous refuser ni clopes ni frites.

Mogwai commence, et la fatigue se fait sentir. Beaucoup moins attirants qu'Electrelane à tout point de vue, je m'éloigne un peu pour lire Paplar, l'excellent magazine du festival. Le concert de Mogwai était pourtant tout à fait convaincant, mais il leur manquait un je ne sais quoi pour faire prendre à leur chansons l'ampleur qu'elles méritent. Il est plus de minuit maintenant, et je ne suis plus tellement de bonne humeur. Les gens bourrés commencent à me lourder, et je dois encore attendre presque 2h avant de voir Aphex Twin. L'occasion de faire le point sur le public du festival. Beaucoup d'anglais, comme toujours. La (bonne ?) nouvelle de 2011 c'est le retour en force de la moustache. Assez discrets en général, ils se sont tous donnés le mot ce week-end et on ne voit qu'eux. On les entend même lancer "Non aux barbus, oui aux moustachus !" A part ça, le public rivalise d'imagination pour se faire remarquer, à la fois par le reste des festivaliers que par ses propres amis en période de cohue. J'ai recensé une coiffe indienne, un chapeau de cow-boy, un pirate (mais je suis pas sûr que c'était voulu pour lui...). Mais la palme revient évidemment à un ami qui a fait le choix judicieux du morphsuit à damier. Assurément incontournable.

Voilà que Suuns arrive sur scène. J'ai beau être levé depuis très longtemps, j'ai encore un reste de cynisme qui me fait sourire en les voyant. Jeunes et fringuants, ils ont livré un set assez inégal, entre rythmiques dansantes très efficaces et gros coups de mous assez fâcheux. Rien de surprenant, j'en attendais ni plus ni moins que ça, un groupe avec de bonnes idées mais pas assez bon pour soulever la foule. Il est 1h30, et Etienne Jaumet commence dans la foulée sur une autre scène. Désolé Etienne, je te verrais avec plaisir dans d'autres circonstances. A traduire par: sans Aphex Twin derrière. La scène s'installe et l'excitation monte, tout le monde se met à essayer de deviner à quoi vont servir ces trois grands écrans disposés derrière la façade où est installé le laptop du maître.

On y a vu beaucoup de choses en fait. Des messages codés, ou presque ("I can give you hours of pleasure"), des nounours avec la tête de Richie (bizarre), et des motifs psychédéliques. Mais surtout, on s'y est vu. Des cameras filmaient le public pour retransmettre l'image sur 8 écrans (3 grands, 3 petits, et 2 latéraux), avec force déformation d'images, un peu cheap sans doute mais c'est ça qui faisait le charme du show. Le meilleur moment fut évidemment le remake du fameux "Come to Daddy" où les spectateurs se voyaient affublés du terrible visage d'Aphex. Pendant ce temps là, sans qu'on l'ait vu arriver, Richard D. James s'est donné à fond pendant pas loin d'1h30. On ne distinguait que le haut de sa tête, mais l'important n'était pas là, car il a livré un concert à la hauteur de sa réputation. Enfin, presque. Disons que c'était tellement énorme qu'il a annihilé toute trace d'esprit critique en nous.

Cependant son set était très, et sans doute trop rentre-dedans. Je ne m'attendais évidemment pas à retrouver les expérimentations du Richard D. James album en live, mais je ne m'attendais pas non plus à un show aussi dansant. Finalement ce ne fut que plus énorme encore, même s'il n'a pas évité quelques passages à vide. Une belle variété de sons mais toujours la même ambiance: un spectacle hypnotique, saisissant, avec un je-ne-sais-quoi de bizarre qui donnait au tout une personnalité inoubliable. S'il s'est fendu de quelques passages binaires limite rave qui rappelaient le Surfing on Sine Waves de ses débuts, la fin fut un monument de violence sonore et de rythmes épileptiques. D'ailleurs il est possible qu'il y ait eu quelques malaises chez les personnes sensibles. Imaginez: la musique est partout et insaisissable, des écrans collent ton visage sur la photo de Mylène Farmer (oui oui), les lumières se la jouent stroboscope et deux lasers tournoient de chaque côté. Qui peut rester impassible ? Certainement pas moi, et je ne ferais pas ma fine bouche là-dessus. Aphex Twin a offert un moment intense, à la hauteur de ce que j'attendais, et tant pis s'il aurait pu faire autre chose, parce qu'en presque 20 ans de carrière, on a bien compris qu'il ne faisait que ce qu'il voulait.

Top 5: The Beatles

2011-07-10T16:04:00.002+02:00

J'aime bien faire des tops, et puis c'est un bon moyen de parler de choses plus vraiment dans l'actu, ou de rentrer plus dans les détails concernant certains artistes unanimement reconnus. J'entame donc cette nouvelle rubrique « Tops » avec les Beatles, histoire de marquer le coup.

Autant le dire tout de suite, j'adore les Beatles, donc ça n'a pas été tâche aisée que de choisir 5 albums parmi leur excellente discographie. Oui, même les premiers sur lesquels il fait bon dire du mal ont leur petite place chez moi. Seulement, je dois bien avouer qu'ils n'ont rien de comparable avec la flopée de chefs d'oeuvres sortis depuis 1965. C'est donc avec un certain regret que je vous annonce d'ores et déjà que mon top n'aura rien de subversif. Les 5 albums sélectionnés étant sans doute ceux de tout top 5 des Beatles, c'est l'ordre qui sera le plus intéressant (d'où l'idée de faire un top). Cela aura au moins le mérite de rentrer dans les micro-préférences que chacun entretient vis à vis de l'oeuvre des Fab Four.

5- Sergent Pepper's Lonely Heart Club Band (1967)

Sans doute l'album avec lequel j'ai la relation la plus complexe. Je n'aime pas vraiment le son de l'album, l'ambiance foraine, les guitares sur-cristallines et le psychédélisme indianisant. Et de ce fait, je n'aime pas son statut de plus grand album de tous les temps. Seulement voilà, même avec tout le snobisme et la mauvaise volonté du monde, je ne peux pas résister à un album qui contient de telles chansons. Parce que même avec cette production qui me fait grincer des dents, « Fixing a Hole » et « With a Little Help from My Friend » restent purement géniales. Lennon signe un sommet complètement foufou avec « Being for the Benefit of Mr Kite! » et McCartney étale sa classe sur « She's Leaving Home ». Difficile de dédaigner un album d'une telle qualité, qui se permet en plus de finir par « A Day in the Life » entre simplicité pop, ambition orchestrales et expérimentations (forcément) avant-gardistes. Qu'on le veuille ou non, Sergent Pepper est indispensable.

4- The Beatles (1968)

Il fallait rien moins que le plus grand groupe du monde pour sortir un tel album. « L'album blanc » est sans limites, fait tout ce qu'il veut, et se permet de verser autant dans le pastiche (« Yer Blues ») que dans le non-sens (« Ob-La-Di Ob-La-Da »). Je l'aime beaucoup parce qu'on y retrouve les chansons les plus personnelles de chaque Beatle (vu qu'ils s'amusaient tous de leur côté), et c'est sans doute le seul album où j'aime autant les compos de McCartney que celles de Lennon (en général l'avantage va à Lennon, même si c'est de peu). Un album proprement énorme, que je suis loin de connaître par coeur et d'aimer de bout en bout, mais qui contient mes chansons préférées (enfin parmi mes préférées), avec « Happiness is a Warm Gun » ou « Helter Skelter ».

3- Abbey Road (1969)

Là on touche aux intouchables. Abbey Road est le premier album des Beatles que j'ai écouté, et c'est encore un des mes préférés. Merveilleusement produit, il enfile les perles pop avec une aisance qui me frappe à chaque fois. Et c'est le seul album où les compos de George Harrison font partie des toutes meilleures (elles étaient bonnes auparavant, mais pas à ce point), préfigurant l'excellent All Thing Must Pass. Mais ce qui fait que j'aime Abbey Road à ce point, c'est la fameuse partie medley qui ne ressemble pas à grand chose, mais sonne tellement bien, tellement « Beatles ». L'exercice surpasse tout ce qui a été tenté dans le même genre depuis, dans les épopées lyriques de Queen ou dans le rock ambitieux des Who. Comme d'habitude, les Beatles sont parmi les premiers à hausser la barre, et personne ne parvient à la dépasser. Peu de groupes au bord de la rupture peuvent se targuer de sortir un tel album, dépassant leurs tensions pour finir sur un sommet.

2- Revolver (1966)

Le dernier album des Beatles que j'ai découvert. Dieu sait pourquoi j'ai si longtemps repoussé l'écoute de cet album. Sans doute par crainte de me prendre une des plus grosses claques musicales depuis longtemps. Revolver est un album magnifique, qui m'a donné envie de revendre tous mes instruments sur eBay, tellement l'essentiel de mes prétentions musicales sont contenues dans « I'm Only Sleeping » et « Tomorrow Never Knows ». Deux compositions de Lennon, mais pourtant mes chansons préférées de McCartney sont aussi sur Revolver. Absolument intemporel (malgré la sitar de « Love to You ») et résolument moderne, Revolver est à la fois un album qui vous colle à la peau et une oeuvre géniale qui témoigne de la croissance qualitative exponentielle qu'a pris la carrière des Beatles depuis Help!, un an auparavant. Un tel exploit me laisse les bras ballants, épaté à la fois par le génie des Liverpuldiens que par le courage qu'il a fallu à leurs contemporains pour continuer à composer après un album de cette envergure.

1- Rubber Soul (1965)

A vrai dire placer Rubber Soul sur la première marche tient davantage d'un choix sentimental arbitraire que d'un jugement réfléchi, car à ce niveau il aussi vain de choisir entre Rubber Soul et Revolver que de répondre à la question « tu préfères ton père ou ta mère ? ». Mais incontestablement, Rubber Soul a une simplicité et une cohérence qui fait parfois défaut à son successeur (qui dit micro-préférences dit micro-distinctions). Cohérence pas tellement en termes de son, mais plutôt en termes de composition. Si tous les albums des Beatles sont des virages, Rubber Soul est un album charnière dans la période charnière entre Help! et Revolver. Pas simple de qualifier la discographie des Beatles, mais je suis convaincu de cela. Rubber Soul se situe au juste milieu entre la révolution sonore de l'enregistrement de Help!, qui conservait des compositions proches des débuts, et l'ambition expérimentale de Revolver. L'effet de la drogue, disons. Rubber Soul, c'est la pop éternelle, qui phagocyte tous les genres et tous les sons pour n'en garder qu'une poignée de bonnes chansons. Ce chef-d'oeuvre est d'une telle évidence que le meilleur album des Stones (Aftermath évidemment) n' en est ni plus ni moins qu'une sorte de version blues-rock. Comment ne pas avoir envie de donner raison à John Lennon qui disait que les « Stones [faisaient] tout 6 mois après [eux] », et régler définitivement la question « Beatles ou Stones » ?

Mais aussi:

Help! (1965)

Hard Day's Night (1964)

Beatles for Sale (1964)

Voilà, je viens juste de publier l'article, j'ai réécouté l'intégrale des Beatles, et j'ai déjà envie de tout refaire...

Mourir ou mentir

2011-07-01T10:00:00.030+02:00

« 'Bon voyage!'... je fais le geste, je salue par la portière, personne ne répond... »

(Rigodon, 1969)

Nous somme les 1er juillet 2011, et ça fait exactement cinquante ans que Louis-Ferdinand Destouches, dit Céline, est mort. Il est possible que cet « événement » passe inaperçu, car la République Française a décidé il y a quelques mois de le retirer de la liste des auteurs à commémorer cette année, si tant est que cet acte signifie quoique ce soit. Fort heureusement, je ne suis pas la République, et je ne suis donc pas tenu de me plier aux desiderata stupides et égocentriques de quelque groupe de pression. Cinquante ans que l'homme est mort, bientôt 80 ans que son œuvre littéraire fascine, et toujours empêtré dans des bisbilles anecdotiques dont tout le monde se moque aujourd'hui. Enfin, pas tout le monde manifestement. Mais passons dès maintenant à autre chose, pour ne pas participer nous aussi à cette triste réduction. Il y a tant d'autres choses à dire sur ce petit médecin de banlieue.

Tant de choses à dire, et pourtant paradoxalement, parler de Céline amène souvent à parler de petites histoires sans conséquences. Sa vie, et son œuvre, en sont remplies. Quand Céline meurt le 1er juillet 1961, il vient de finir son dernier roman, Rigodon, mettant un point final à la trilogie consacrée à son exil en Allemagne et au Danemark, commencé en 1957 avec D'un château l'autre. Il y a quelque chose de mythique dans cette double fin, et l'on aurait vite fait de se saisir des dernières lignes de Rigodon pour analyser les tout derniers mots de l'écrivain, et y trouver LA citation qui lui rendrait hommage pour l'anniversaire de sa mort. On imagine la scène d'ici, Céline penché sur son manuscrit, griffonnant l'ultime phrase de son œuvre littéraire, posant son crayon pour apprécier son travail, et poussant un dernier soupir pour laisser venir la mort avec le sentiment du devoir accompli. On ne saurait se tromper davantage. Déjà parce que l'écriture de Céline ne se fait pas d'un jet, contrairement à ce que l'on pourrait penser à la lecture. Et puis parce que Rigodon n'a rien d'un achèvement.

En effet, cela faisait déjà quelques temps que Céline exprimait dans ses lettres qu'il sentait « les Parques [lui] gratter le fil », et le projet initial de son dernier roman a été considérablement réduit. Enfin, il suffit de lire cette fameuse dernière phrase pour se rendre compte que cet événement apparaissant aujourd'hui mythique, a en fait tout d'une anecdote de plus. Céline a passé sa vie à la romancer, et lorsque sa vie prend réellement une tournure à proprement parler dramatique, il la réduit, consciemment ou non, à l'état d'une futilité:

« … qu'ils viennent, qu'ils osent les Chinois, ils iront pas plus loin que Cognac! Il finira tout saoul heureux, dans les caves, le fameux péril jaune! Encore Cognac est bien loin... milliards par milliards ils auront déjà eu leur compte en passant par où vous savez... Reims... Epernay... de ces profondeurs pétillantes que plus rien existe... »

Voici donc la fin de Rigodon. Une énième diatribe contre les Chinois, gratinée d'un propos délirant et provocateur, entre défi et prophétie. Mais après tout, ça ne pouvait se terminer d'une autre façon. Les trois derniers romans de Céline sont les plus difficiles à lire. Ils ne commencent pas, c'est donc normal qu'ils ne finissent pas. On a beaucoup critiqué Céline pour ses longs monologues où il décrit sa vie à Meudon, exclusivement pour parler de faits divers ou pour s'en prendre à son entourage. La sympathie ou l'hostilité, ce sont les deux seules options que Céline nous laisse à la fin de son œuvre. Il le dit lui-même, quand on écrit, il faut « noircir et se noircir », et c'est sans surprise si ses derniers mots sont ceux du personnage cynique et aigri qu'il s'est créé en plusieurs années, le même qui sort des âneries aux journalistes, comme pour renforcer son image d'homme détestable.

Même si le terme de « chroniqueur » que Céline s'est octroyé à la fin de sa vie tient lui aussi plus de la posture que de l'analyse littéraire, c'est bel et bien la principale différence entre Rigodon et Voyage au bout de la nuit – si l'on excepte le style, la « petite musique » qui est devenue omniprésente depuis Mort à crédit, ne serait-ce que visuellement(1). En tant que chroniqueur, il assume s'inspirer essentiellement de sa vie pour ses romans, en la déformant et en l'amplifiant, même si au fond cela a toujours été le cas. Sauf qu'il se permet de jouer de sa situation, il devient plus comédien qu'écrivain, et il brouille volontairement la distinction entre auteur et narrateur. Plus de Bardamu, ce personnage semi-fictif qui jouait le rôle d'exutoire. De fait, ce changement amène à considérer ses œuvres avec un regard différent.

En ce qui me concerne, j'ai toujours eu un faible pour Voyage au bout de la nuit. C'est sûr que ce n'est pas original, mais que voulez-vous, je ne vais pas vous dire que je ne jure que par Guignol's Band juste pour me faire mousser. Voyage au bout de la nuit c'est le roman de la découverte, en hypokhâgne, ça me rappelle mes soirées à l'internat où chaque garçon lisait Céline le soir, et les moments où on faisait des pauses clopes, l'esprit endolori par la verve de l'écrivain. Voyage a une valeur sentimentale donc, mais pas seulement. En fait j'ai beau apprécier toute l’œuvre de Céline, ne serait-ce que parce que je ne me lasse pas de son style(2), j'ai tendance à considérer tous les romans postérieurs au Voyage comme une œuvre en sursis, en suspension. Comme si chaque roman n'était qu'un satellite du chef d’œuvre fondateur, qui est paradoxalement le moins célinien des romans de Céline.

Quand je disais que l'évolution de l'écriture de Céline influait sur la manière dont on considère ses romans, c'est à ce sentiment là que je renvoyais. Des chroniques, une « autofiction » (Dieu que cette formule est laide, j'en ai des nausées rien qu'à l'écrire), voilà qui explique pourquoi on a le sentiment que les derniers romans de Céline ne commencent pas, et ne finissent pas. On prend le métro en cours de route, et on part avant le terminus. Certes, on peut déceler dans le dernier chapitre de Rigodon des formules testamentaires, mais encore une fois ça n'est pas particulièrement présent. Et bien sûr, puisque les phrases mêmes de Céline n'ont ni début ni fin, elles ne sauraient former un ensemble renfermé sur lui-même. Les derniers romans de Céline ne cessent de se faire des références entre eux, et évidemment, il n'y a que le premier roman pour échapper à cela.

Si Voyage au bout de la nuit est le roman le plus marquant de Céline, c'est parce que c'est le seul qui forme une boucle, et qui a été pensé comme tel. Tout est différent dans le Voyage, par rapport au reste de l’œuvre célinienne. Géographiquement, narrativement et syntaxiquement, tout tend à se renfermer, à poser des limites, un début, une fin. Le style de Céline n'y est pas tout à fait affirmé, et on y sent encore l'influence de quelques classiques de la littérature (notamment Flaubert, un des rares écrivains estimés par Céline). De tous ses romans, Voyage au bout de la nuit est le seul qui « fasse » chef d’œuvre, et c'est pour cela qu'il est considéré comme tel, là où les suivants contribuent davantage à l'aura géniale de leur auteur qu'à la leur propre.

C'est donc dans ses pages qu'on trouvera les lignes qui s'accordent le mieux avec la mort romanesque de son auteur(3). Les derniers mots du Voyage au bout de la nuit ont été écrits dès 1932 (et même avant sans doute), et ce sont eux qui, bien plus qu'ailleurs, donnent au lecteur la sensation d'un achèvement:

« De loin, le remorqueur a sifflé; son appel a passé le pont, encore une arche, une autre, l'écluse, un autre pont, loin, plus loin... Il appelait vers lui toutes les péniches du fleuve, toutes, et la ville entière, et le ciel et la campagne et nous, tout qu'il emmenait, la Seine aussi, tout, qu'on n'en parle plus. »

(1): Céline accordait une place toute particulière à l'aspect visuel de ses romans pour sa trilogie, à tel point qu'il a fallu un temps énorme pour restituer parfaitement Rigodon tel qu'il était sur le manuscrit.

(2): Par exemple, l'hilarant Entretien avec le Professeur Y, auto-interview où Céline s'invective lui-même et s'explique sur ce qui fait son style.

(3): C'est d'ailleurs peu étonnant que la plupart des citations connues de Céline sont tirées du Voyage.

Bilan semestriel des nouveautés musicales

2011-06-29T10:00:00.006+02:00

Le chiffres de ce premier semestre 2011: 152 disques écoutés, 73 chroniqués, note de 4/6 en moyenne. Un deuxième trimestre qui m'aura permis de découvrir quelques albums qui m'occuperont assurément toute l'année, avec un peu de retard pour certains. Encore une fois, écrasante supériorité des américains, mais ce ne sont pas eux qui m'ont le plus marqué, puisque la plupart de mes coups de cœurs sont européens, et c'est très bien comme ça. Petite nouveauté cette fois-ci, un indicateur d'évolution, pour les albums qui se sont bonifiés (+), ou pas (-), ceux qui restent à leur place (=), et les nouveaux (E).

Les 30 albums qui ont marqué le premier semestre 2011 (début janvier - fin juin)

Ghostpoet – Peanut Butter Blues & Melancholy Jam (Hip-hop - ANG - février) (E)

Viol – Gun Street (Folk – FR – mars) (=)

WU LYF – Go Tell Fire to the Mountain (Indie Rock – ANG - juin) (E)

Panda Bear – Tomboy (Pop – US - avril) (E)

Stranded Horse – Humbling Tides (Folk – FR - janvier) (=)

Stendeck - Scintilla (IDM/Ambient – SUI - avril) (E)

Les bonnes surprises:

Gang Gang Dance – Eye Contact (Dance pop experimental – US - mai) (E)

Karsten Pflum – No Noia My Love (IDM/Dubstep – ALL - avril) (E)

Kurt Vile – Smoke Ring for my Halo (Folk/Rock – US - mars) (-)

Robag Wruhme – Thora Vukk (Deep house – ALL - avril) (E)

Aes Dana –Perimeters (IDM/Ambient – FR - février) (-)

A Hawk and a Hacksaw – Cervantine (World – US - mars) (+)

King Creosote & Jon Hopkins - Diamond Mine (Electro/Folk – UK – mars) (E)

Radiohead – The King of Limbs (Indie post-electronic-pop – ANG - février) (-)

Les outsiders:

Akron/Family – s/t II (Folk/Rock – US - février) (-)

Bon Iver – Bon Iver (Folk – US - juin) (E)

Charles Bradley – No Time for Dreamin (Soul – US - janvier) (+)

Cunninlynguists –Oneirology (Hip-hop – US - mars) (=)

Danielson – Best of Gloucester County (Folk/Pop – US - mars) (-)

Earth – Angels of Darkness, Demons of Lights (Doom/Post-rock – US - février ) (-)

Fen – Epoch (Black metal – ANG - février) (=)

Nicolas Jaar – Space is Only Noise (Deep house – US - février) (-)

Marcel Kanche – Vigiles de l'aube (Chanson – FR - janvier) (E)

Bruce Lamont – Feral Songs for the Epic Decline (Dark folk/Post-metal – US - janvier) (+)

Moon Duo – Mazes (Rock psychédélique – US - mars) (E)

Thurston Moore – Demolished Thoughts (Folk/Acoustic rock – US - mai) (E)

Shapes Have Fangs – Dinner in the Dark (Garage psychédélique – US - mars) (=)

Smith Westerns – Dye It Blonde (Garage/Glam – US - janvier) (-)

Hubert-Felix Thiéfaine – Suppléments de mensonge (Chanson – FR - février) (=)

Wire – Red Barked Tree (Post-punk – ANG - janvier) (-)

Le premier semestre est ici.

Mike, de Lars Blumers

2011-06-27T10:00:00.015+02:00

Certains films paraissent vraiment insaisissables. La vidéo du making-of de Mike m'a fait penser que ça devait être un film complètement « meta », à la Rubber. Pas du tout, et la bande-annonce laissait entrevoir un film beaucoup plus classique. Malgré tout quand je suis allé le voir je ne savais pas trop à quoi m'attendre. Les premières scènes ne m'aident pas plus. Film sur l'ennui à la Sofia Coppola ? Chronique familiale ? Comédie burlesque venue du plat pays ? Ou peut-être même que ça va être un film choral, voire un film régional(iste)... On ne sait pas trop où on est quand on regarde Mike, et on ne sait pas trop quoi en penser. D'un côté on pourrait facilement taxer Lars Blumers d'avoir voulu tout mettre dans son premier film, mais il n'est pas question de ça ici. Au contraire, Lars Blumers choisit de traiter son histoire à sa façon, qui nous rappelle évidemment de nombreuses choses, sans qu'on parvienne vraiment à mettre le doigt dessus. Il commence d'une façon et finit d'une autre, en ne gardant pour fil rouge que son héros, dont l'attitude constamment impassible et blasée ne semble pas perturbée par les changements de ton qu'opère l'histoire qu'il crée.

Le moins que l'on puisse dire, c'est que Mike se déroule de manière surprenante. On le regarde comme on avance dans le brouillard, avec un mélange de suspicion et d'attraction. En tout cas on ne s'attendait pas à ce qu'il prenne une tournure si dramatique. C'est surprenant, mais finalement très logique. Très librement inspiré d'un fait divers, Mike est en fait un film réel. Pas vraiment réaliste, tant Lars Blumers prend beaucoup de libertés avec la vraisemblance, mais réel dans le sens où il s'adapte à merveille aux détours que prend la vie du héros, à qui il arrive, comme tout le monde, de changer d'avis et d'attitude, plus ou moins facilement. C'est pourquoi à un certain moment, quand le film semble avoir extrait tout le potentiel comique de la vie de Mike, il semble en proie à une certaine hésitation, ne sachant s'il doit poursuivre vers une fin positive au nom du « feel-good movie » ou bien s'il doit commencer à exploiter tout l'aspect dramatique de son sujet. Et le réalisateur hésite, le spectateur hésite, le héros hésite, et le temps qu'on s'en rende compte le film a déjà complètement changé d'ambiance.

Certes auparavant Mike n'était pas non plus un comédie sans fond, souriant béatement à ses bêtises. Prendre le parti de parler d'un glandeur adepte des petits délits sans conséquences, tiraillé entre l'Alsace, l'Allemagne et la Suisse dans une zone de flou géographique, c'était forcément considérer une vie dans ce qu'elle a de plus pathétique. On rit donc, mais pas sans ressentir un peu de peine pour les personnages. Entre la poésie d'un Mammuth et le comique ambigu de La merditude des choses, Lars Blumers passe le plus clair de son temps à s'amuser de ses personnages, en jettant sur eux un regard à la fois sévère et affectueux. On rit devant l'insolence innocente de Mike envers ses beaux-parents, mais on a aussi et presque surtout honte pour lui. Marc-André Grondin est connu pour ses rôles très « cools », mais ici il incarne Mike de manière assez différente. Mike n'est pas « cool », c'est un garçon hagard auquel on a souvent envie de coller une baffe pour le remettre en selle. C'est aussi en ça que le film est imprévisible, car les personnages font systématiquement le contraire de ce qu'attend et désire le spectateur. Kembs est présentée comme une ville d'inadaptés, où règne un profond malaise, et où chacun tente tant bien que mal de se définir, par rapport à la loi, à son pays, sa famille ou aux normes sociales.

Même s'il souffre de quelques longueurs et facilités, et que son allure sinueuse le rend un peu difficile à apprécier dans son intégralité – le personnage du policier divorcé étant étrangement culpabilisé à la fin – Mike est un film comme on aimerait en voir plus souvent: agréable, drôle et touchant, sans prétention mais avec une forte identité, bien réalisé et bien interprété. D'ailleurs, avec Marc-André Grondin, Eric Elmosnino et Christa Theret trouvent des rôles qui laissent définitivement penser qu'il existe en France (et ailleurs) beaucoup d'acteurs sous-exploités. Après ce premier film réussi, on suivra avec attention Lars Blumers, qui saura à coup sûr nous surprendre encore la prochaine fois.

Vite fait bien fait: Cults / Fucked Up

2011-06-21T17:30:00.002+02:00

Sélection spéciale "Best New Music".

Cults – Cults

Cults est un groupe venant de... « New-York ! » Correct. Ils sont... « Deux ! » Correct. Un duo « Mixte ! »... Oui, voilà, et ils se sont formé en 2010, année où ils ont sorti un EP qui a... « Buzz ! Buzz, buzz, buzz ! » Evidemment oui, buzz... Et puis hype aussi ça marchait, mais j'accepte buzz. Je poursuis. Pour faire simple, Cults évolue dans le genre très tendance qu'est... « Indie pop ! » Voilà, dans la lignée d'un groupe qui a justement sorti un excellent album l'an dernier « Beach House ! » Leur premier album éponyme contient... « Euh non, éponyme c'est quand une chanson donne son titre à l'album, pas quand le groupe sort un album qui porte son nom... Tu le sais pas encore ça ? » Euh... Non. Et puis c'est moi qui pose les questions ici, donc tu te la fermes, tu gardes tes mains sur le buzzer et tu m'écoutes, ok ?

Je reprends. Encensé par... « Pitchfork ! » Oui, leur premier album contient plusieurs... « Tubes ! » Ah non c'était pas une question ça, mais oui, plusieurs tubes en effet. Renvoyant à la pop des années... « 60 ! » Oui, et plus précisément à … « Bah, Phil Spector quoi... » Oui, evidemment, mais il faut le dire, parce que c'est particulièrement marquant. Donc euh... Qu'est ce qu'il peut rester comme questions... Pochette en noir et blanc, hype, tout ça on s'en fout... Hum, oui. L'album se caractérise par une certaine... « homogénéité ? » Oui voilà, qui tend régulièrement à rendre les chansons... « Répétitives... Le syndrôme habituel quoi. Et puis après quoi, tu vas me demander quel sentiment ça provoque chez l'auditeur ? Bah... l'ennui. Franchement c'est nul ce jeu, c'est trop facile. »

A lire également sur Ears of Panda, Des Chips et du Rosé et Blake.

Fucked Up - David Comes to Life

David Comes to Life est ce que l'on pourrait appeler un opera punk. Oui je sais. Je vous vois tous là, facepalm et tout. Je sais que vous vous dites que la dernière fois qu'on a employé ce terme c'était pour des daubes dont la simple pensée vous file encore la nausée. Mais rassurez-vous, à la différence de ces groupes qu'on ne nommera pas parce qu'on ne les connait que trop bien, Fucked Up est de bien meilleur goût. Déjà ils sont canadiens, et puis leurs précédents albums étaient des concentrés de punk hardcore tout ce qu'il y a de plus recommandable. Et puis, comme beaucoup d'albums concept, on ne le devine pas forcément quand on ne le sait pas a priori.

David Comes to Life est marqué par un son plus mélodique et moins punk, mais la simple voix de Damian Abraham suffit à donner un ton punk rageur à l'ensemble. L'aspect opera ne fait que donner une cohérence à l'ensemble, la valeur ajoutée d'une belle histoire autour de thèmes universels. Pas de syndrôme mégalomane de la boursouflure donc. Tout en faisant du punk, Fucked Up parvient à créer une belle diversité sur un album dont la longueur pourrait en rebuter plus d'un, surtout dans un genre qui a plus de force sur des formats courts. C'est sans doute là que réside la principale réussite de cet album, qui par ailleurs n'est surtout qu'un bon album de punk, sans être renversant sur quelque domaine que ce soit. Et ça suffit à nous donner envie de l'écouter, et à l'apprécier.

A lire également sur Ears of Panda, et Branche ton Sonotone.

WU LYF - Go Tell Fire to the Mountain

2011-06-13T10:00:00.036+02:00

WU LYF, histoire d'anges déchus

par Soren Lujeilov – le 09/06/2021, à 14h12.

L'autre jour je regardais le programme de Bonnaroo qui commence demain, et dans la programmation du dimanche je suis tombé sur un nom qui sonnait familier: WU LYF. Ca m'a évoqué quelque chose, mais il a fallu que j'aille voir sur Wikipedia pour pouvoir me rappeler qui ils étaient exactement. « WU LYF était un groupe de rock anglais, formé en 2008 à Manchester. Ils sont principalement connus pour avoir fortement attiré l'attention des médias lors de leur premier et unique album, Go Tell Fire to the Mountain, sorti en 2011. » Évidemment, maintenant je m'en souviens presque comme si c'était hier. WU LYF, la sensation de 2011. Je commençais tout juste à écrire sur un blog, dont je ne me souviens plus du nom. Le programme de Bonnaroo indique que le groupe jouera l'intégralité de l'album sur scène, à l'occasion des dix ans de sa sortie.

Dix ans. De nos jours c'est énorme. Chaque année révèle une quinzaine de groupes prometteurs dans un jeu de chaises musicales que plus personne n'arrive à suivre. Alors WU LYF, il y a dix ans, avec un album, vous pensez bien qu'il m'en fallait plus que ça pour que je m'en souvienne. D'ailleurs, vu la scène minable sur laquelle ils sont programmés, à mon avis je ne dois pas être le seul qui n'est pas capable de les identifier immédiatement. Il me semble que je m'étais intéressé à leur cas tout de même. J'ai retrouvé un live-report de leur concert aux Transmusicales, et la chronique de leur album. Même en la relisant, je suis bien incapable de me souvenir à quoi ça ressemblait. J'avais été assez expéditif. « Beaucoup de bruit pour un album qui ne fait que répéter la même formule sur 10 chansons, avec une prétention incroyable. Intéressant à petites doses, fatigant sur la durée. 4/10. » C'est assez gênant voyez-vous, de se relire dix ans après et d'être parfaitement incapable de se dire « Oui, j'avais raison ».

Vous imaginez bien que toute cette histoire m'a profondément intrigué, et je me suis donc mué en spéléologue du Web pour retrouver toutes les réactions d'époque. Mes trouvailles n'ont pas été très éclairantes. En 2011, on parlait davantage stratégies marketing que musique. Je suis retombé sur des logorrhées d'une futilité effarante à propos d'un album de Radiohead, ça fait froid dans le dos. La crise de l'industrie musicale, voilà tout ce dont on parlait. Ça paraît bien peu de choses quand on voit qu'aujourd'hui les dernières poules aux œufs d'or des majors comme Emma Leprince continuent à vendre des bouses par palettes de mille. Et donc, la plupart des critiques de l'album de WU LYF consistent à décrire le mystère qui règne autour du groupe. Indépendance totale, auto-production, fuite des médias, etc... Je sais ce que vous vous dites « Bah, c'est pas les seuls... » Je suis d'accord, mais à l'époque il faut croire que c'était inédit. Moi-même je n'ai pas su éviter cet écueil, puisqu'il est évident maintenant que toute ma critique était influencée par un ras-le-bol autour d'un buzz médiatique creux et absurde. « Groupe principalement connu pour le fait que personne ne sait rien d'eux. » Voilà quelque chose de constructif !...

Mais il y a désormais une réelle excitation à réécouter Go Tell Fire to the Mountain, totalement sorti de son contexte. Quand j'y pense, je les plains un peu, ces Mancuniens. En relisant des articles sur eux, on se rend bien compte que tout ce qu'ils voulaient, c'était faire de la musique sans qu'on en fasse tout un plat. Ils ont voulu couper l'herbe sous le pied de la presse britannique, et ils ont appris à leurs dépens que la presse se nourrit de tout, même de rien. Et voilà où ils en sont maintenant, à jouer pour les quelques membres restants de leur fondation sur une petite scène de Manchester, Tennessee. Avec un chanteur qui a fait le coup de Richey Edwards [chanteur des Manic Street Preachers, disparu et présumé mort depuis 15 ans ndlr], sans doute parti vivre chez les Achuars d'Amazonie pour fuir les médias. Je les plains un peu car aujourd'hui je suis sans doute en meilleure position pour écouter leur album que je ne l'étais à l'époque.

Et cet unique album est une pépite. Une vraie, du genre de celles qu'on trouvait au milieu d'un tas de vase et de cailloux au Klondike. Un album qui sonne comme s'il avait été enregistré hier. Mieux, comme s'il était enregistré en temps réel. Il est certain qu'à l'époque ce genre d'album ne pouvait supporter l'attente médiatique. Il est imparfait, assez répétitif, et il contient toutes ces petites choses qui font qu'on descend un album. Un chanteur qui en fait un peu trop, des chansons qui ont l'air prétentieuses, avec cet orgue et cette batterie emphatique. En bref, un orgueil luciférien qui ne pouvait que faire tomber rapidement l'album dans l'oubli. Mais dans mon investigation, j'ai retrouvé une brève correspondance avec mon confrère britannique Orson «Evil» Jule, qui m'assurait que cette grandiloquence n'avait rien d'intentionnel, qu'elle n'était pas un cache misère. Il me disait qu'au contraire, WU LYF faisait preuve d'une humilité impressionnante en livrant un album qui peut paraître à première vue déceptif, volontairement imparfait, alors qu'il n'est que l'exacte pensée de ses auteurs, sans artifices.

Je l'avais gentiment incendié de bêtises sur le moment, mais le temps lui a donné raison. En fait, Go Tell Fire to the Mountain semble inspiré en grande partie par le roman Go Tell It on the Mountain [La Conversion en français, ndlr] de James Baldwin, paru en 1954 et dont il tire manifestement son nom. Baignant dans une atmosphère complètement mystique, et décrivant le tourment d'un jeune homme tiraillé entre le dogme et ses désirs, le roman est pourtant d'une sincérité poignante. Dans les deux œuvres, la prose s'enflamme parfois dans des élans bibliques et grandiloquents qui confinent aux ridicule, mais expriment une sorte d'aliénation du personnage, comme le désir vain de sortir du langage. Et l'album de WU LYF, déjà saisissant en lui-même, prend une dimension impressionnante quand on l'écoute sous cet angle. Tout se met en place, les cris du chanteur, la guitare à la fois claire et nébuleuse, et surtout la batterie débridée qui semble refuser de tenir un rythme constant et préfère s'exprimer par éclats. WU LYF ne joue pas de la musique pour sonner d'une façon ou d'une autre, ils jouent de la musique comme un combat, un revendication de leur identité. Tout cette emphase n'est pas vaine, c'est le moyen d'expression des Mancuniens, comme si c'était le meilleur moyen de se mettre à nu, à l'instar de James Baldwin.

De l'introduction funèbre de « L Y F » à la conclusion incandescente de « Heavy Pop », tout rayonne d'humanité. Ce sentiment culmine d'ailleurs sur « We Bros », qui porte pour la première fois en elle la lueur d'un compromis. Mais c'est bien la seule, car ailleurs rien n'est fait pour convaincre l'auditeur rapidement. Les débuts rauques de « Such a Sad Puppy Dog » paraissent volontairement longs, comme pour accentuer l'apogée atteinte par le morceau dans sa deuxième partie. Ce sont ces petits défauts qui nous attachent à l'album, et l'on apprécie que davantage tout ce fatras de cris et d'explosions, terrifiant dans sa solennité et jouissif dans sa spontanéité. Car Go Tell Fire to the Mountain n'est pas juste un album qui se révèle en s'intellectualisant, il parle aussi directement aux sens, sans réfléchir. On a l'impression d'entendre Panda Bear qui sample les guitares de Foals ou des Stone Roses, ou quelque chose approchant. Mais WU LYF refuse toute comparaison, et ne fait que chercher à s'échapper, sans arrêt. Comme le Bartleby de Melville qui serait enragé, il refuse tout, quelques soient les conséquences, mais jamais de manière frontale. Bien sûr, tout cela tient davantage de la posture qu'autre chose, mais c'est ce qui façonne l'album réellement, le refus, la fuite, le tourment.

Tout n'est que vagues dans cet album, et dès que l'on arrête de prendre du recul ou de le juger selon des grilles éphémères, on y voit un monde dans lequel il fait bon se perdre. WU LYF assume tout, ses excès et ses erreurs, et Go Tell Fire to the Mountain ne semble être qu'un manifeste de l'immédiateté, du « ici et maintenant », qui apparaît sous les traits les plus improbables, avec le ton d'une musique qui se veut éternelle. Dès lors ce n'est pas une surprise si l'on a oublié WU LYF aujourd'hui. Trop gonflé pour être apprécié sincèrement sur le moment, trop fugace pour laisser un souvenir marquant. Je n'irais pas voir WU LYF en concert dimanche. A quoi bon, alors que la magie de l'instant est gravée sur cet album, pour toujours, prête à revivre à l'envi. Go Tell Fire to the Mountain était un album à réécouter à tête reposée. S'il n'est pas l'album de l'année 2011, il est certainement pour moi l'album de l'année 2021. Pas qu'ils aient eu 10 ans d'avance, loin de là, mais cette musique s'apprécie davantage dans la confidentialité. Tout s'éclaire maintenant.

Bring On the Backlash

2011-06-12T10:00:00.038+02:00

Si comme moi vous trouvez que le dernier Arctic Monkeys est de la soupe de bouillon sans vermicelles, je vous propose d'écouter un album alternatif concocté par mes soins. Car les Arctic Monkeys font partie de ces groupes prolifiques qui composent et enregistrent énormément, et leurs albums ne sont qu'une partie de leur oeuvre. Ils ont en effet sorti un nombre impressionnant de faces B, EPs, démos etc. Il était donc tentant d'utiliser tout cette oeuvre souterraine pour composer l'album qu'on aurait aimé entendre. C'est d'ailleurs pour ça que j'ai pas mal pioché dans les faces B de la période Humbug, histoire de voir là où nos singes auraient pu aller (et où j'ai cru qu'ils iraient). J'ai parfaitement conscience du paradoxe qu'il y a à contrer l'album d'un groupe avec des chansons du même groupe, mais c'est justement ça qui est amusant.[1]

Bring on the Backlash est donc l'anti-Suck It and See. Ce sera certainement un album imparfait, de par sa nature composite et par le manque de soin généralement apporté aux faces B, mais il tiendra facilement la dragée haute à son antagoniste. On y trouvera tout ce qu'il n'y a pas sur Suck It and See: des tubes de la première heure (« Leave Before the Lights »), des balades élégantes et de bon goût, des brûlots rock jouissifs (« Plastic Tramp »), des textes mordants (« Who the Fuck Are Arctic Monkeys »)[2], des ambiances travaillées (« Joining the Dots »), de la violence non simulée (« Fright Lined Dining Room »), un clash entre la batterie démentielle de Matt Helders et le flow de Dizzee Rascal (« Temptation »), et même une reprise de Nick Cave (« Red Right Hand »)[3]. Mais avant tout Bring On the Backlash sera un album avec ~~des couilles~~ de la personnalité. « »

Tracklist:

1- Joining the Dots (My Propeller B-side, 2010)

2- Temptation ft. Dizzee Rascal (Brianstorm B-side, 2007)

3- Plastic Tramp (Fluorescent Adolescent B-side, 2007)

4- Too Much to Ask (Fluorescent Adolescent B-side, 2007)

5- Leave Before the Lights Come On (Single exclusif, 2006)

6- Despair in the Departure Lounge (Who the F*** Are Arctic Monkeys EP, 2006)

7- Who the F*** Are Arctic Monkeys (Who the F*** Are Arctic Monkeys EP, 2006)

8- Fright Lined Dining Room (Cornerstone B-Side, 2009)

9- Red Right Hand (Nick Cave and the Bad Seeds) (Crying Lightning B-side, 2009)

10- Don't Forget Whose Legs You're On (My Propeller B-Side, 2010)

Bonus Track [Japanese Edition]

11- Chun Li's Spinning Bird Kick (I Bet You Look Good... B-side, 2005)

[1]: On peut trouver ça triste aussi...
[2]: Je suis également parfaitement conscient du fait que les paroles de cette chanson sont un bras d'honneur aux critiques genre "Fuck you I won't do what you expect from me" et que je me tire une balle dans le pied en la sélectionnant. Mais ne soyons pas trop premier degré, et sachons rire de nos petites humeurs.
[3]: Indigne d'une face B d'ailleurs, et carrément exaltante en live (c'est la touche de folie des concerts, sont pas hyper fun sinon malheureusement, à part le batteur). Elle aurait eu de la gueule sur Humbug, entre « Cornerstone » et « Dance Little Liar ».

Vite fait bien fait: The Antlers / Black Lips / Bon Iver

2011-06-11T10:00:00.050+02:00

Belle pochette, bel album ? Pas si simple...

The Antlers - Burst Apart

Hospice, le précédent album de The Antlers, était longtemps resté pour moi un objet de mystère. Ce n'est qu'au bout de quelques mois de maturation qu'il a fini par se révéler comme un des grands albums de l'année. J'ai donc pris mon temps pour découvrir Burst Apart, mais force est de constater que la situation est bien différente. Le groupe de Brooklyn ne se cache plus, et les chansons se dévoilent bien plus facilement que chez son illustre prédécesseur. J'ai bêtement cru que la pochette serait à l'image des chansons, ce qui avait d'autant plus excité ma curiosité, mais au contraire les chansons s'appréhendent et se discernent sans difficulté.

Et on se rend compte qu'avec ce voile c'est tout le charme de The Antlers qui s'envole. Sans être complètement indignes, une fois démasquées les chansons du groupe se révèlent bien quelconques par moments, et Burst Apart est non seulement assez décevant, mais aussi peu intéressant au final. Même si un « No Widows » parvient sur la longueur à gagner de l'épaisseur, la production qui a effectué un virage couleur new-wave sur tout l'album gâche les meilleurs moments, en plus d'être d'une banalité regrettable. Burst Apart n'est pas un mauvais album, mais sans vraies bonnes chansons ni atmosphère convaincante, il devient d'un coup assez anodin.

Black Lips - Arabia Mountain

Mine de rien c'est déjà le sixième album des Black Lips, l'un des nombreux très bons groupes de garage américains qu'on finit par perdre de vue, faute de pouvoir tous les suivre. Et quand on les retrouve, c'est comme si rien ne s'était passé durant tout ce temps. Ce sont toujours les mêmes, ils enchaînent toujours des excellentes chansons garages avec juste ce qu'il faut de personnalité pour qu'on ait envie de s'enfiler tout l'album. Tout au plus pourrait-on dire qu'ils se sont un peu ramollis, mais dans le cas des Black Lips cela importe finalement assez peu car c'est autant voire plus leur psychédélisme que leur hargne qui a fait leur
réputation.

Et sur Arabia Mountain, le son est plus infectieux que jamais, à un point qu'on se sent presque mal à l'aise à l'écoute de « Mr Driver », qui arrive pourtant sortir un bon refrain de cette mélasse. Aucun nuage à l'horizon, le groupe d'Atlanta sait toujours trouver des mélodies pop improbables, être à la fois malsain et fun, crade et élégant. A croire que le bon garage c'est comme le vélo, une fois qu'on sait en faire on n'oublie pas. Arabia Mountain est sans doute un album de garage comme il en sort beaucoup chaque année (les inconnus Shapes Have Fang en sont la preuve), mais cela fait partie du charme de tout album de garage. Avoir l'air de sortir de nulle part, vous mettre une claque bien sentie sans qu'on s'y attende, et retourner dans son trou sans qu'on s'en aperçoive, en ne laissant qu'une marque sur la joue.

Bon Iver - Bon Iver

Justin Vernon est un homme au talent incroyable. Il y a 3 ans, son For Emma, Forever Ago avait surpris tout le monde avec un folk décharné qui vous bouleversait en une poignée de chansons. Depuis il n'a pas chômé loin de là. En 2009 il nous sort un EP qui parvient à marier sa voix à l'autotune avec élégance, et son succès a atteint des sphères insoupçonnées, le faisant participer au dernier album de Kanye West. Et aujourd'hui, son deuxième album est sans doute un des plus attendus de l'année. Bon Iver paraît contenir tout les clichés d'un deuxième album: moins épuré, arrangements plus étoffés... Le syndrome de l'ouverture. On osait à peine espérer qu'il parvienne à égaler la beauté de son prédécesseur, et pourtant. A parcours incroyable, inspiration incroyable. Les qualités de Justin Vernon s'expriment bien au-delà de sa musique, et qu'importe la façon dont il traite ses chansons, elle gardent toujours en elles une beauté extraordinaire, par essence.

Dès l'ouverture « Perth » il n'y a pas de doute possible sur la réussite de l'album. Les arrangements, pourtant loin d'être discrets, apportent juste ce qu'il faut de mélancolie et de grandeur pour emporter chaque morceau dans la bonne direction, à tel point qu'on finit rapidement par oublier que Bon Iver s'est autrefois exprimé autrement. La nature esquissée dans Bon Iver est moins sauvage que celle de For Emma, Forever Ago, elle semble apprivoisée mais n'en reste pas moins inaccessible. Que ce soit dans « Michicant » ou « Calgary », Justin Vernon recrée sa propre musique sans la dénaturer, et le tout avec une classe époustouflante. On lui pardonne même ses quelques tentatives d'un goût douteux sur « Hinnom, TX » ou « Beth / Rest », qui a tout de même le défaut de finir l'album de manière bien moins éclatante que « re: Stacks ». Mais c'est aussi la preuve que derrière sa mélancolie, Justin Vernon est un homme qui ne se cache pas, et qui assume tous ses choix. Plus de doutes maintenant, on va encore lui faire confiance longtemps. On aimerait s'attarder davantage sur Bon Iver, mais à vrai dire je ne sais pas bien ce qu'il peut y avoir à rajouter.

A lire également sur Brainfeeders & Mindfuckers.

Arctic Monkeys - Suck It and See

2011-06-06T10:00:00.016+02:00

Il y a des évènements inévitables que l'on voudrait retarder le plus possible. Le mauvais album d'un groupe que l'on adore, c'est presque inévitable, mais en tant que fan, on est souvent aveuglé et cela reste sans suite. En revanche, le moment où un groupe cesse d'apparaitre à vos yeux sous la même lumière qu'à ses débuts, voilà quelque chose qu'on est en droit de ne pas craindre. Pour autant, on aurait tort de baisser la garde car c'est à ce moment là que la déception est la plus fracassante. Je me souviens très bien du moment où j'ai découvert les Arctic Monkeys. C'était fin 2005, à l'époque où « I Bet You Look Good on the Dancefloor » faisait un carton en Angleterre, et peinait à traverser la Manche. J'avais 15 ans et j'écoutais à ce moment là Europe 2, qui diffusait dans une émission en fin de soirée toutes les nouveautés étrangères qui n'étaient pas parvenues aux oreilles des radios françaises. Et la chanson des Monkeys revenait régulièrement, et à chaque fois je me disait « Putain, c'est bien ça ! ». J'ai un peu raté leurs grands débuts, et j'ai rattrapé mon retard avec l'excellent Favourite Worst Nightmare. Et le groupe de Sheffield s'est peu à peu imposé comme une valeur sûre, un groupe sur qui compter, qui ne s'éteindrait pas aussi facilement que tous ses congénères. Lors de la sortie d'Humbug, je n'ai pas craint le faux-pas, et c'est avec une admiration mêlée de fierté que j'ai clamé à qui voulait l'entendre que les Arctic Monkeys avaient du talent, et qu'on ne cesserait d'en avoir la preuve.

Pour ce quatrième album, j'ai arboré une confiance à toute épreuve, c'est devenu une habitude. J'ai parié sur ce groupe voilà 6 ans, et on aurait une fois de plus la preuve que j'avais misé sur le bon cheval. Sauf que voilà, Suck It and See est mauvais. Pas mauvais dans le genre « baisse de régime », ou même « coup d'arrêt ». Non, mauvais comme un brutal retour en arrière, dans des profondeurs que le groupe n'avait jamais sondé, et c'est d'ailleurs pour ça que je les appréciais. Alors, avant d'essayer de comprendre pourquoi cet album est si indigent, quand bien même ça ne demande pas énormément d'efforts, la question est de savoir si l'on pouvait prévoir une telle déroute.

Eh bien oui, on pouvait prévoir cela. Premier indice en début d'année dernière, quand leur concert nous a montré des rock stars fatiguées, qui assurent le show comme des professionnels, mais qui sont bien loin du groupe de jeunes premiers qui venaient déguisés en clown sur un plateau télé. Mais avant tout, c'est dans le single « Brick by Brick » que se trouvent tous les signes avant-coureurs. On l'a dit et redit, ce single est mauvais, cliché et décousu, avec ce break qui nous refait le coup de « Potion Approaching » en moins bon. Mais, ayant entendu que ce n'était qu'un teaser, j'ai -un peu facilement sans doute- passé l'éponge sur cette erreur désolante. Pourtant, on aurait déjà pu prédire que Suck It and See serait au moins décevant. Car les Arctic Monkeys ne font pas de mauvais premier singles. Pas de faux départ, de « nan c'est juste un teaser ». Il tapent très fort d'emblée, et ni « Brianstorm », ni « Crying Lightning » n'ont pu être considérées comme des chansons mal finies. Qu'elles aient divisé les fans sur le nouveau son qu'elles amenaient, c'est un autre problème. Mais là, entre un teaser qui se retrouve sur l'album et une chanson récupérée de l'EP d'Alex Turner, il y avait de quoi être circonspect quand aux efforts fournis sur cet album.

C'est donc « Don't Sit Down 'cause I've Moved Your Chair » qui a fait office de premier single. Déjà bien plus efficace, le bonheur de constater une amélioration a occulté la réalité: une fois de plus nous étions face à une chanson convenue, qui ressemblait à une brutale incursion de Josh Homme aux manettes du groupe. Cela est d'autant plus frappant quand on écoute l'album dans son intégralité, et en fait « Don't Sit Down... » a tout du single « cheval de Troie ». Car ceux qui comme moi espéraient que les Arctic Monkeys poursuivent leur chemin en quête d'un son plus lourd et d'ambiances plus sombres en seront pour leurs frais: Suck It and See est « plus lumineux », ou « plus pop » selon les membres du groupe eux-mêmes. Bien entendu, un retour à l'énergie juvénile de Whatever People Say... est inenvisageable, mais le groupe a montré suffisamment de talent dans ce domaine au cours des dernières années pour que l'on ait pas à se scandaliser de cette décision. Oui mais voilà, non seulement Suck It and See n'est pas comme un « Pretty Visitors »(1) étalé sur un album, mais il ressemble davantage à une succession de sous-« Cornerstone »(2), qui était déjà le maillon faible d'Humbug

On savait que l'ambiance californienne allait influer sur le son du groupe. Déjà sur Humbug, Alex Turner et sa bande semblaient s'être laissés bercer par le son des Doors ou du stoner rock de Josh Homme. L'effet est radicalement différent ici, car à l'exception notable des singles pré-cités, les Arctic Monkeys ont tiré d'autres choses de l'air californien. Là où les précédents albums montraient un groupe qui avait de la personnalité, et dont chaque chanson était facilement reconnaissable, autant par le chant d'Alex Turner que par les arrangements, Suck It and See montre au contraire un lissage général de la musique du groupe. Les guitares sont molles, et Alex Turner n'est pas très convaincant quand il chante. Parfois on jurerait presque que la Californie l'a amené à singer Billie Joe Armstrong. Seul le combo rythmique surnage, en ayant tout de même perdu beaucoup de son mordant. Mais ce n'est pas tellement le son qui est décevant. On n'est pas ici dans le cas d'école du groupe qui divise en changeant radicalement son identité sonore. Il y a finalement bien moins d'écarts entre les deux derniers albums qu'entre les deux premiers.

Non, si Suck It and See est un mauvais album, c'est avant tout parce qu'il est constitué de mauvaises chansons. Les Arctic Monkeys sonnent comme des ersatz d'eux-même. Comme un groupe où les guitaristes sont incapables de sortir le moindre riff accrocheur, où le compositeur ne parvient pas à faire décoller ses chansons, ni au refrain ni ailleurs. Quand j'écoute « Love Is a Laserquest », je n'entends rien qui me fasse de l'effet. Et je pourrais dire la même chose au sujet de chaque chanson de l'album. A l'image de sa pochette, l'album est une coquille vide, ça ressemble à du Arctic Monkeys mais ça n'en a pas le goût. Ça nous promet beaucoup mais ça ne donne rien. On se demande comment le groupe a pu en arriver à pondre des chansons aussi fades que « Black Treacle » ou « She's Thunderstorms ». Il n'y a aucune chanson sur Suck It and See qui pourrait mériter de figurer sur les albums précédents, car elle ferait immédiatement bien plus tâche que lorsqu'elle est noyée avec ses compagnons de médiocrité.

Et quand par hasard on a l'impression de reconnaître les Monkeys qu'on aime, comme sur « Library Pictures », c'est pour avoir une fois de plus la preuve que le groupe n'est plus que l'ombre de lui-même. Donnant dans le bourrinage facile et inutile, les Arctic Monkeys semblent avoir oublié comment être à la fois punchy et original, ce qui était auparavant leur marque de fabrique. En fait, les rares chansons qui ne sont pas indignes, comme « All My Own Stunts » ne font que rappeler à quel point le songwriting du groupe a perdu de sa classe et de son élégance, et cela vaut vaut également pour les paroles(3). Et pour ne rien arranger, comme si le producteur avait cherché à se tirer une balle dans le pied, la construction de l'album est loin de le mettre en valeur. C'est quoi l'idée ? Face A on s'ennuie, Face B on s'endort ? Le groupe a tiré à tort et travers dans la première moitié de l'album, et par la suite il manque de cartouches et s'enfonce dans une succession de ballades mid-tempos redondantes et sans saveur, versant parfois allègrement dans le mauvais goût comme « Piledriver Waltz »(4).

Si je n'ai pas cru à une telle imposture, c'est sans doute parce qu'il semblait improbable qu'un groupe ayant aligné trois albums sans fautes de goût soit aujourd'hui incapable de sortir une seule chanson qui tienne la route du début à la fin. Et j'ai beaucoup de mal à concevoir que quiconque étant tombé sous le charme des jeunes de Sheffield auparavant puisse écouter cet album avec un plaisir total. Pour ma part, j'espère l'oublier au plus vite. Pas qu'il soit le plus mauvais album que j'ai entendu, loin de là, mais je ne supporte pas d'entendre quelque chose qui sonne creux et mal fini de leur part. Suck It and See sera l'album où j'ai arrêté de supporter les Arctic Monkeys, non pas par choix, mais par dégout.

A lire -et écouter- également sur Playlist Society, et sur Le Golb.

(1): Comprendre morceaux black-sabbathiens en diable, avec un Alex Turner en grande forme.
(2): Comprendre ballade un peu mièvre destinée à faire se balancer les iPhones des midinettes.
(3): Le moment où jamais de rappeler que c'est précisément ce qui les plaçait au dessus du lot à leur début.
(4): Qui mériterait d'être épurée d'ailleurs, ce qu'aurait pu faire Alex Turner sur son EP solo. Tant pis.

Sound of Sheffield

2011-06-04T10:00:00.011+02:00

A l'initiative de GT, je me lance dans une playlist sur la ville de Sheffield. Située dans le nord de l'Angleterre, en plein Yorkshire, Sheffield fait partie de ces villes qui ont connu un bel essor lors de la Révolution Industrielle, et qui peinent aujourd'hui à se reconvertir. Mais économie et musique suivent rarement le même chemin, et le cas de Detroit nous montre même que leurs chemins peuvent carrément s'opposer. Pourquoi Sheffield ? Parce que j'aime bien leur accent. Préparez vous pour une petite plongée dans une ville qui ne ressemble à aucune autre.

Chaque ville a son dinosaure, et à Sheffield c'est Joe Cocker qui a été le premier à se faire connaitre. On le connait pour sa voix rocailleuse et ses nombreuses reprises. Par dessus tout, il aime les Beatles, et c'est donc avec une reprise de "She Came In Through the Bathroom Window" que l'on va commencer. L'originale apparait sur Abbey Road, et Joe Cocker l'a reprise dans son album Joe Cocker! de 1969.

On fait un petit saut dans le temps, pour atterrir en 1981. Il se passe pas mal de choses cette année là en Angleterre. Nous sommes sous le régime de Margaret Thatcher, et il sévit dans le pays ce que l'on a appelé la New Wave of British Heavy Metal. Les plus célèbres sont Iron Maiden, mais à Sheffield on participe également, avec le groupe Def Leppard. "Let It Go" est issu de l'album High 'n' Dry, et c'est du gros son qui tâche, même si ça ressemble pas mal à AC/DC et consorts.

En 1981, le post-punk et la cold-wave on déjà sorti leurs chef d'oeuvres, et c'est à Sheffield que va se développer le pendant le plus électronique et expérimental du mouvement, avec Cabaret Voltaire. Si l'on peut parler d'un "son de Sheffield", il doit beaucoup à ceux là. Leur musique est complexe, froidement industrielle, mais elle a gardé une ardeur punk propre aux groupes de cette époque. Red Mecca est leur troisième album, et "Spread the Virus" porte étrangement bien son nom.

Enfin, en 1981, la new-wave à synthés commence à prendre de l'ampleur, et dans ce domaine Sheffield a également quelques atouts à faire valoir. The Human League aime la reverb et les synthés qui ne savent pas encore à quel point ils vont mal vieillir. "Don't You Want Me" c'est du tube 80's pur jus, et chaque ville traine ce genre de casseroles, donc autant le faire avec brio.

Suite à un désaccord en début de carrière, une partie des membres d'Human League s'en vont former Heaven 17, qui est également un groupe de new-wave, à la musique plutôt similaire, et promis à un certain succès. Nous sommes en 1983, et "Let Me Go" nous enfonce un peu plus profondément dans le kitsch 80's. Quand on voit tous les efforts qu'a fourni la ville de Sheffield pour sortir plusieurs tubes de new-wave romantique, ça force le respect, et l'admiration.

Cet amour pour l'électronique au goût douteux finit par se concrétiser de la plus belle des manière avec la fondation à Sheffield du label Warp, aujourd'hui mondialement reconnu autant pour ses pionniers que pour ses découvertes. Et parmi les pionniers de Warp, il n'y a qu'un seul groupe réellement de Sheffield: LFO. Tout en simplicité, "LFO" est le premier titre de leur premier EP LFO, a cartonné dans les clubs (qui sont d'ailleurs très réputés à Sheffield), et a posé les bases de la musique électronique des 90's. Ça sonne très old-school, mais ça fait plaisir quand même.

Toujours dans le domaine de l'électronique mais dans un autre registre néanmoins, Moloko est un duo qui a eu son petit succès à la fin de la décennie quand un DJ house a remixé leur "Sing It Back". Mais sur leur premier album Do You Like My Tight Sweater en 1995, c'est davantage de la musique électronique influencée par le trip-hop de Bristol que l'on entend. C'est "Fun for Me", et pour vous aussi.

Mais la ville de Sheffield n'aime pas que les machines, elle aime aussi les instruments, et c'est sans surprise si on la voit s'illustrer dans la renaissance rock à l'anglaise des 90's, à savoir la britpop. Pulp existe depuis longtemps déjà, mais c'est vraiment à ce moment qu'ils vont exploser et acquérir le statut qu'ils ont aujourd'hui. "Babies" est un single qui fut publié chez Gift Records, filiale de Warp (tout se rejoint !), et c'est la preuve que de tout temps, Sheffield a eu son mot à dire.

Dans le même genre, les Longpigs ont également occupé le devant de la scène de Sheffield au milieu des 90's. Emmenés par Richard Hawley, qui rejoindra plus tard Pulp, et comptant parmi eux l'ex-batteur de Cabaret Voltaire (puisque je vous dit que tout se rejoint), les Longpigs n'ont sorti que 2 albums, ce qui est suffisant pour faire un tube. Ca s'appelle "She Said", et il n'y a pas de doute sur la date, on est bien en 1996, en pleine Oasismania.

On fait un petit saut dans le temps pour arriver en 2003, avec un groupe pas comme les autres qui n'a d'ailleurs pas vraiment d'équivalent dans sa ville natale. I Monster est surtout connu pour avoir signé quelques musiques de pub (à leur actif, Toyota et Les produits laitiers). Parfois rock et parfois pop, avec une bonne dose d'électro et un peu de trip-hop, I Monster aurait pu naître n'importe où. "Who Is She" est une chanson bien moins commerciale et très personnelle, parue sur le fameux Neveroddoreven.

Retour au rock anglais à guitare, avec The Long Blondes, un groupe de filles influencé par Pulp entre autres. Le bassiste Steve Mackey a d'ailleurs travaillé sur leur premier album Someone to Drive You Home, dans lequel figure le fameux "Weekend Without Makeup". Du rock anglais pas compliqué et bien foutu, on sent que Franz Ferdinand est passé par là.

En parlant de Pulp, 2006 est également l'année où leur chanteur Jarvis Cocker (aucun lien) sort son premier album, sobrement intitulé Jarvis. Évidemment assagi, on y trouve de nombreuses chansons qui témoignent du talent de songwriter du garçon (plus tout jeune cela dit), parmi lesquelles "Don't Let Him Waste Your Time" ou encore la gentille "From Auschwitz to Ipswich".

Dans le même temps, la nouvelle scène de Sheffield s'active, et pour une fois elle ne reste pas dans l'ombre de ses contemporains. Inutile de présenter les Arctic Monkeys, qui sont un des groupes rock les plus intéressants outre-Manche, et leur deuxième album Favourite Worst Nightmare sorti en 2007, le témoigne de belle manière. Actuellement, le son Sheffield c'est "Teddy Picker", comprenez un chant qui assume sa Yorkshire-itude, un combo rythmique qui mène la danse et des guitares entre riffs ravageurs et envolées psychédéliques.

Alex Turner a plus d'un tour dans son sac, à peine reposé su succès éclair des Monkeys il se lance dans un projet ambitieux avec son ami Miles Kane (qui est plus proche de Liverpool que de Sheffield, mais peu importe). The Last Show Puppets marie un songwriting pop/rock avec une orchestration symphonique. Le tout a une certaine couleur cinématographique, mais n'oublie pas de placer quelques refrains inoubliables, comme celui de "Calm Like You".

La fin des années 2000, c'est la mode des duos pop-folk mixtes, et une fois de plus, Sheffield n'est pas en reste, avec Slow Club, deux jeunes gens good-looking qui nous servent un folk qui rappelle autant les belles chansons de Belle and Sebastian que celles des Moldy Peaches. Ça manque un peu de Sheffield-ness dans le chant, mais "When I Go" est le genre de chansons simples et sucrées qu'on consomme sans faim.

On finit notre voyage avec un groupe qui représente à lui seul la difficulté d'établir un "son de Sheffield". 65daysofstatic donne dans le post-rock instrumental et a souvent été vendu comme étant un mélange entre Radiohead et Aphex Twin. Tous ces indices alléchants accouchent d'une musique assez particulière en effet, et leur dernier album We Were Exploding Anyway opère un virage vers un son electro plus rentre-dedans, à l'image de l'excellent "Crash Tactics".

Playlist en écoute sur Spotify.

Thurston Moore - Demolished Thoughts

2011-06-02T10:00:00.001+02:00

Comme on dit, qui aime bien châtie bien. Et c'est parce que Thurston Moore m'a offert un des meilleurs concerts de ma vie que j'avais descendu son précédent album acoustique, délire onaniste inintéressant et excessivement désinvolte. Comme je l'expliquais, il y a selon moi deux écueils à éviter lorsqu'un musicien réputé pour sa musique électrique se livre à un album acoustique: le premier consiste à la jouer « unplugged », et ne faire que transposer sa musique sur un autre instrument, le second est de confondre « acoustique » et folk, pour accoucher d'un album certes original pour son auteur, mais convenu dans l'absolu. C'est ce que j'avais reproché à l'album de J Mascis, qui ajoutait à cela des relents de Dinosaur Jr par quelques solos electriques dispensables. C'est pour cela que je suis très critique vis-à-vis des albums acoustiques, car les artistes et les auditeurs ont trop tendance à minimiser la différence fondamentale qu'il y a entre ces deux mondes, et Bob Dylan en est le parfait exemple. Demolished Thoughts parvient à naviguer habilement entre ces écueils sans sombrer, ce qui est assez rare pour être noté.

Pour autant Thurston Moore ne livre pas un simple album d'entre-deux, qui ne sait pas trop où il va. Non, on reconnaît souvent la patte du guitariste de Sonic Youth, et il semblerait que l'instrument acoustique ait réveillé en lui des influences folk, même inconsciemment. Mais il ne choisit jamais, bien trop fier pour s'engager, bien trop expérimenté pour se laisser avoir. Difficile de ne pas avoir l'impression d'assister à un Sonic Youth unplugged à l'écoute de « Circulation », et le goût immodéré pour la dissonance de Thurston Moore ressort de manière inévitable dans « Mina Loy ». Et c'est dans ces moments que la discrète production de Beck devient essentielle.

A la première écoute, on pourra trouver les arrangements de cordes dispensables et artificiels, mais ils apportent au contraire la touche nécessaire pour renforcer la tension contenue dans les chansons du New-Yorkais. A plusieurs reprises on sent que le travail de Beck n'a pas tant été d'aider Thurston Moore à finaliser ses chansons que de l'empêcher de se laisser emporter par sa fougue juvénile. C'est particulièrement pregnant sur « Orchard Street », un des piliers de l'album, où les volontés des deux hommes semblent s'entrechoquer à plusieurs reprises, pour finir par aller dans le même sens.

C'est bien du Thurston Moore que l'on entend, mais un Thurston Moore a qui on aurait appris l'art du compromis. Il peut paraître étrange de placer cela parmi les qualités de Demolished Thoughts, quand on sait que l'homme n'a jamais été tellement enclin à mettre de l'eau dans son vin. Mais c'est pourtant ça qui fait toute la beauté et la richesse de cet album. Qui pourrait reprocher à Thurston Moore d'avoir laissé Beck arranger « Illuminine » ? Chaque instrument trouve sa place dans la chanson avec une finesse remarquable, et le résultat est complètement inattendu venant de l'homme qui a composé quelques uns des plus beaux brûlots rock des deux dernières décennies.

Evidemment, la réussite de cet album n'est pas à mettre sur le compte du producteur, car c'est bien Thurston Moore qui a su faire sortir de sa guitare des perles comme « Blood Never Lies » ou « Space », et globalement il irradie tout l'album de son aura qui respire la jeunesse éternelle. Mais disons que Beck a sans doute eu un rôle prépondérant dans la direction du navire, pour éviter que l'ardent guitariste n'aille s'écraser contre un rocher comme il l'avait fait lors de son précédent album.

Demolished Thoughts n'est pas parfait, mais Thurston Moore n'est pas parfait non plus. C'est un homme plein d'envies qui fait ce qu'il veut, que ça plaise ou non. Il est difficile de contrôler une telle personne, et c'est pourquoi sa collaboration avec Beck produit un résultat inégal, quoique convaincant dans l'ensemble. Mais comme tout artiste incorruptible, son talent est capable de coups d'éclats qui rayonnent bien au delà de ce qu'on espérait. Thurston Moore m'a offert un des meilleurs concerts de ma vie en électrique, et Demolished Thoughts vient me prouver qu'il pourrait très bien réitérer l'exploit en acoustique. Je le savais, mais je voulais en être certain.

A lire également sur Brainfeeders & Mindfuckers, et sur Pop Revue Express. En écoute sur Grooveshark.

Battles - Gloss Drop

2011-05-31T10:00:00.018+02:00

Il y a des musiques proprement spectaculaires, de celles qui vous marquent à vie ou vous vident simplement la tête de manière éphémère, comme une sortie au cirque. Ça me rappelle l'histoire d'un jongleur. Il était très apprécié car il avait une technique bien particulière. Il s'enfermait dans un grand cube de verre, lui-même monté sur une sorte de trampoline, et il jonglait avec des objets pour le moins inhabituels. Imaginez une étoile en trois dimensions, comme un oursin un peu grossier. Elle était faite de cristal, remplie d'eau ou d'autre liquide et contenait une petite boule de caoutchouc. Et il jonglait avec ces étranges objets. Souvent 3 ou 4, parfois plus. Et c'était un spectacle fascinant, on le voyait dans son cube de verre en train de jongler comme personne, et les légers reflets des parois donnaient une impression de multiplicité qui rendait le numéro encore plus stupéfiant.

Mais ce qui l'avait rendu célèbre ce n'était pas tant son jonglage que ces fameux objets avec lesquels il jonglait. De temps en temps, il en laissait tomber un, et il était impossible de savoir dans quelle direction il allait rebondir. L'étoile explosait contre la paroi, faisait jaillir son contenu sur le jongleur, et la boule de caoutchouc allait rebondir dans le cube sans plus jamais s'arrêter. Il répétait ce même numéro tous les soirs, et les gens revenaient le voir à chaque fois, car ce n'était jamais pareil. Son spectacle fascinait autant par son aspect inédit que par sa réalisation. Et sa réalisation impressionnait autant par la virtuosité du jongleur que par l'imprévisibilité de son dénouement. C'était une des choses les plus incroyable qu'il ait été donné de voir, cela va sans dire.

Puis, il en a eu marre du cirque. Mais comme il était une de leur principales attractions actuellement, tous les gens qui avaient travaillé avec lui ont décidé de retravailler son numéro avec leurs moyens. La tâche ne fut pas aisée, car aucun d'entre eux ne savait jongler comme lui, et le jongleur avait emporté ses précieux objets avec lui lors de son départ. Ils ne pouvaient donc conserver que l'aspect extérieur du spectacle, et son côté imprévisible. Mais la perte inévitable de l'ingrédient humain du spectacle devait forcément amener un travail pour le rendre encore plus impressionnant, en compensation.

Dans le grand cube en verre monté sur un trampoline, il fixèrent de nombreuses boules de cristal remplies de peinture aux parois. De même ils installèrent une caméra à chaque coin supérieur du cube, dont l'image était retransmise sur huit grands écrans tout autour de l'arène. Lorsque le numéro commençait, les projecteurs étaient éteints. Un tuyau inséré dans le cube lançait à intervalles régulier des boules en caoutchouc, qui allaient rebondir un peu partout, et éclater de temps à autre les boules de cristal et la peinture. A la différence de l'ancien numéro, les personnes qui découvraient le spectacle comprenaient très rapidement comment il fonctionnait, même s'il restait tout aussi imprévisible. Visuellement, c'était bien sûr bien au delà de ce qui se faisait avant.

Seulement voilà, ce n'était pas le genre de spectacle qu'on allait revoir tous les soirs. Il était trop mécanique, il manquait de magie et de classe. En un mot: il manquait d'humain. Bien sûr qu'il était assez fascinant de regarder toutes ces boules exploser aléatoirement, mais comment s'attacher à quelque chose de si impersonnel ? Le numéro du jongleur paraissait avoir plus d'esprit, il avait sa place au cirque et l'on en gardait assurément un souvenir marquant sur la durée. L'actuel numéro ressemble plus à du divertissement écervelé, il vous met sur le cul le temps d'une soirée, mais ne s'imposera pas dans votre mémoire. Mais après tout, c'est aussi ça faire du spectacle, non ?

En écoute sur Grooveshark.

Vite fait bien fait: Stendeck / Robag Wruhme / Enabl.ed

2011-05-28T10:00:00.065+02:00

Ça faisait un moment que l'on avait pas parlé de musiques électroniques ici, mais ça ne veut pas dire que les derniers mois ont été pauvres dans le domaine. La preuve par 3 avec mes derniers coups de cœur. Chacun d'eux aurait mérité un article à part entière, mais mon amateurisme en la matière ne me permet pas de disserter aussi longuement sur des disques électroniques, aussi bons soient-ils. Voici donc les 3 d'un coup.

Enabl.ed - Modules Fail

Qu'est ce qu'on aime dans l'IDM ? On aime les claviers venus d'ailleurs, les sons hachés, les beats incompréhensibles, on aime que ça perturbe notre équilibre mental. Et bien on a tout ça dans Modules Fail, le deuxième album de Jimmy Batista, officiant sous le nom d'Enabl.ed. Derrière les mélodies de « odeq2 » viennent se nicher des beats déconstruits, comme des accès de violence contenus. Tout l'album fonctionne sur cette dichotomie, et Modules Fail balance parfois violemment entre le très onirique (« It's a this point, where I get drowsy »), et le très violent comme dans « Melting in Stereo » où tous les sons semblent aller dans la même direction, la destruction. Quoi de mieux que de l'IDM profondément instable pour se faire retourner le cerveau en une demi-heure ?

Par ailleurs, le choc parfois violent entre les deux facettes du disques accouche d'une atmosphère glauque et peu rassurante. L'unique raison d'être de chacun des visages ne semble être que de contredire l'autre, de la même façon qu'un superhéros ne peut vivre sans son antagoniste et vice-versa. Il y a une tension assortie d'une certaine vanité qui ressort de ce combat incessant, s'exprimant particulièrement dans des titres comme « exit4 » ou « Drowning errors 2.0 ». Pour couronner le tout, Enabl.ed se paye par moments le luxe de dégager un semblant groove de cette lutte, à l'image de l'excellent « Vinc Drae5 ». On pourra simplement regretter que l'expérience soit un peu trop courte, mais Modules Fail est déjà un très bon aperçu du talent de Jimmy Batista lorsqu'il se livre à l'IDM.

A lire également sur Chroniques électroniques. En écoute sur Spotify.

Robag Wruhme - Thora Vukk

J'ai longtemps été réfractaire à la house, mais la dilution croissante du genre dans d'autres pour lesquels j'ai plus d'estime ces dernières années (le dernier album de Four Tet par exemple) a fini par me faire prêter plus d'attention aux dernières sorties remarquées dans le milieu. Je ne pouvais donc pas passer à côté de cet album du producteur allemand Robag Wruhme, qui a reçu des éloges de toutes parts. Thora Vukk est un concentré de deep house d'une qualité exceptionnelle, qui possède une saveur toute particulière. Le genre d'albums qu'on écoute les dimanches de mi-saison, quand il fait bon et qu'on est assis dehors en fin d'après-midi, serein. Thora Vukk est un album dont chaque son est mesuré avec une justesse saisissante. Dès l'arrivée des voix du fabuleux titre introductif « Wupp Dek », Robag Wruhme crée une ambiance paisible qui ne connaitra aucune perturbation.

Pour autant, l'album n'a rien d'ennuyeux car la patience qui est prise au développement de chaque titre bouleverse toute notion de temps, et Thora Vukk n'est plus au final qu'un moment en suspension, une balade plaisante sans impératifs. En cela il se rapproche parfois du Diamond Mine de King Creosote et Jon Hopkins, à cette différence que les rythmes de Robag Wruhme n'invitent pas tant au vague à l'âme qu'au plaisir simple de profiter d'un instant de repos. Car le producteur n'oublie pas d'être dansant, et au contraire ces deux extrêmes s'interpénètrent parfaitement dans l'album qui acquiert du coup une cohérence remarquable, dont la plus belle incarnation est sans doute « Prognosen Bomm ». Prenez le temps d'écouter Thora Vukk, et vous verrez le monde bouger à un autre rythme pendant un courte parenthèse.

A lire également sur Des oreilles dans Babylone. En écoute sur Deezer.

Stendeck - Scintilla

Qu'est qu'on aime dans l'IDM ? Non, je vais pas vous la refaire. Je me contenterais de dire le Scintilla de Stendeck a tout, en plus long, plus fort, plus grand. Et je pourrais presque m'arrêter là. Mais poursuivons. Le suisse Alessandro Zampieri fait prendre à l'IDM une dimension bien plus grande que ce qu'on a l'habitude d'entendre dans le genre. Il suffit d'écouter les 3 premiers titres pour s'en convaincre, et mesurer l'ampleur du paysage façonné par les sons de Stendeck. Au moment où débarquent les cordes lyriques et le rythme profond de « Catch the Midnight Girl », on a déjà complètement oublié où on était, et on s'imagine embarqué dans une grande épopée aérospatiale aux enjeux cosmiques. Car c'est de ce genre d'ampleur que je veux parler quand j'évoque la musique de Stendeck, pas moins. Scintilla est un album dense, qui assume totalement sa démesure et se donne les moyens d'aller au-delà de l'horizon d'attente sans cesse repoussé de l'auditeur, les deux derniers titres en sont la preuve implacable.

Il y a des BO dont on peine à discerner l'histoire qu'elles racontent, mais Scintilla fait partie de ces albums si cohérent et si aboutis, aux sons si évocateurs qu'on l'imagine sans efforts. On ferme les yeux et on verrait presque se jouer devant nous un grand film hollywoodien qui ressemblerait à un mélange entre 2001, l'Odyssée de l'espace et La nuit du chasseur. Un film énorme, où les rares moments de répit sont l'occasion de plans sublimes avant que la course ne reprenne, comme cet enchaînement entre « Like Snowflakes on my Fingers » et « Run Amok (Against Time Rebels) ». Là où certains musiciens électroniques construisent certains sons juste pour le plaisir d'employer telle ou telle technique, Zampieri paraît complètement débarrassé de ces lubies égocentriques. Scintilla semble se diriger vers quelque chose, on jurerait qu'il y a un but derrière tout ça. Et lorsqu'arrive « Why Did We Get so Far ? » on réalise qu'il n'y a rien derrière tout ça. Scintilla n'est qu'une fuite en avant, et c'est tout. C'est un mouvement spontané, emporté par sa propre inertie alors qu'il ne reste plus rien de la force qui l'a poussé à décoller. Alors on joue le jeu, puisque c'est ainsi. Tout simplement.

A lire également sur Playlist Society. En écoute sur Grooveshark.

Top of the Folk: Kurt Vile / I Come from Pop / NFL3 @ L'Antipode, Rennes

2011-05-27T14:39:00.006+02:00

Le festival Top of the Folk n'a pas très bien porté son nom hier soir à l'Antipode. La soirée a pourtant commencé de façon très conventionnelle. Comme d'habitude, je suis arrivé bien trop en avance, ce qui m'a valu la peine de voir défiler devant moi tous les privilégiés avec leur pass autour du cou. Du bénévole au technicien, de l'accrédité au groupe de lycéens qui devaient interviewer les artistes (ils étaient déjà aux Trans les salauds), je ne suis entouré que de gens d'exceptions. Et je me sens un peu marginalisé avec mon billet payé au prix unique, même pas de réduction étudiant. Comme d'habitude, on retrouve sensiblement les mêmes personnes, ce qui donne l'impression étrange que les concerts sont organisés seulement pour ce groupe de passionnés qui se déplacent systématiquement aux soirées de l'Antipode. Et comme d'habitude, le big boss de la Route du Rock est là, parlant à qui veut bien l'écouter. L'occasion d'en apprendre un peu sur la programmation de l'édition été du mois d'août, sur le coût démentiel d'un concert d'Aphex Twin ou tout simplement sur les anecdotes de cul des coulisses du festival.

Et c'est donc un groupe relativement conventionnel qui va lancer cette soirée placée sous le signe des habitudes routinières. A entendre son goût pour les mélodies de guitares simples et les suites d'accords imparables égrenés sur guitare acoustique, il ne fait pas de doute que I Come from Pop porte bien son nom, lui. On est rapidement charmé par les chansons sans prétention du groupe brestois, mais passé un petit quart d'heure, on commence à trouver tout cela un peu prévisible. Heureusement les musiciens ont le bon goût de tordre leurs morceaux vers d'autres directions, et les rares moments où le chant s'enflamme sont vraiment convaincants. On pense parfois aux Dodos dans cette façon de faire prendre aux chansons un chemin sinueux, guidé par le rythme de la batterie. C'était un bon moment finalement, sans grande prétention et malgré un certaine frustration d'avoir vu certaines chansons s'arrêter un peu brutalement, ce qui avait pour effet de couper une partie des spectateurs (déjà peu nombreux) dans l'élan fragile qu'était parvenu à créer le groupe.

Pause bière cigarette. Le bar avait d'ailleurs le fonctionnement le plus tordu que j'ai jamais vu, heureusement que les gens étaient sympathiques. La consigne du gobelet à payer, je connaissais, mais l'inscription à l'association du bar, avec nom et adresse, remise de ticket et service de la boisson tant désirée à l'autre bout de la salle, c'est totalement inédit ! Quand je reviens dans la salle, je m'aperçois que l'américain aux cheveux longs qui avait voulu me convaincre d'acheter un maxi de Kurt Vile « très rare, en seulement 6 exemplaires », était en fait le bassiste du groupe. Et le guitariste parfois. Il a même empoigné un saxophone le temps d'un « Freak Train » d'anthologie pour finir le concert. Le concert de Kurt Vile et de ses Violators a amené l'Amérique à Rennes pendant une petite heure. Des musiciens on aura surtout vu les cheveux, qu'ils arboraient tous sans retenue, à des longueurs variables. La raison de la présence de Kurt Vile à l'affiche de Top of the Folk est sans doute dûe à son EP Square Shells de l'an dernier, et à la tournure très folk qu'ont prise ses chansons dans son dernier album, Smoke Ring for my Halo. Mais il semblerait que ma comparaison avec Neil Young soit encore plus pertinente que je ne l'imaginais, car il s'est trouvé que Kurt Vile pouvait habiller ses chansons très différemment dès lors qu'il était accompagné de son groupe.

Il est assez rare de pouvoir assister à un concert rock totalement assumé mais pas ridicule pour autant. Tous équipés de Fender Jaguar, Jazzmaster ou autres du même genre, les musiciens nous laissent comprendre dès le début que l'on n'assistera certainement pas à un concert de folk. Ajoutons à cela le supplément d'electricité inhérent à un concert, et nous voilà embarqués pendant une heure dans un rock enfumé et fiévreux, américain sous toutes les coutures. Kurt Vile et ses Violators parviennent à faire le parfait dosage entre la chaleur et l'intimisme du folk, l'énergie insolente du rock & roll, et la mélancolie camouflée du shoegaze. C'est ainsi que chacune des chansons vous saisit le coeur le temps d'un couplet avant de vous abasourdir par le déluge des guitares. Kurt Vile fait preuve d'un détachement tout dylanien, la timidité se substituant au cynisme mordant de son aîné. Les chansons déjà sublimes par essence de Kurt Vile prennent une autre dimension en concert, beaucoup plus rock dans le son, mais gardent un vrai esprit folk dans l'interprétation.

Pause cigarette, sans bière cette fois, parce que j'suis fauché. Je me rends compte au bout d'un moment que les fumeurs d'à côté sont Kurt Vile et son guitariste. Technique du fumeur pour aborder quelqu'un: proposer quelque chose pour rendre service. Il se trouve que j'avais mes filtres dans la main, je les ai donc proposés comme un débile, et me suis fait rembarrer avec un sourire qui semblait dire « Tapette, pas besoin de filtres moi » Bon. Je leur demande s'ils connaissent Troy von Balthazar, qui était la tête d'affiche de la soirée de ce soir. Apparemment non, et après avoir laborieusement essayé d'expliquer qui c'était et qui était Chokebore, j'abandonne, un peu dépité. En tout cas, malgré ses goûts pour le folk, on trouvera difficilement plus rockeur que Kurt Vile dans l'attitude cool et détachée, c'est certain. Dernier groupe, NFL3 assure un set étonnamment court, dans un genre qui tend à ressembler à du math-rock instrumental et parfois expérimental. Sauf que la batterie est parfois trop monotone pour que tout cela décolle véritablement. Quelques moments de groove dansant et quelques autres d'expérimentations un peu vaines, et NFL3 écourte son set devant une salle qui se vide à vue d'oeil. On sort de la salle, on voit l'affiche du festival, et on se dit: « Ah bah c'était pas Top of the Folk ce soir... ». Mais c'était une belle soirée tout de même, comme d'habitude.

Vite fait bien fait: Miles Kane / Fleet Foxes / Cornflakes Heroes

2011-05-26T10:00:00.016+02:00

Miles Kane – Colour of the Trap

On connaissait Miles Kane comme le mec qui avait profité du succès de son pote Alex Turner (des Arctic Monkeys) pour sortir un très bon album avec lui sous le nom de Last Shadow Puppets, et un album un peu moins bon, ou du moins inégal, avec son groupe de toujours, The Rascals. Tout cela est derrière lui maintenant, et il se lance dans une carrière solo avec un premier album, Colour of the Trap. Musicalement, on est assez loin de ses deux projets précédents, qui avait tous les deux vocation à servir de bande-originale pour des films imaginaires. Ici, Miles Kane nous sert un pop rock dans tout ce qu'il a de plus conventionnel et intemporel. Pas de références trop lourdes, juste celles du rock anglais de toujours.

On navigue dans un album très homogène, aux chansons aussi rapidement attachantes que faciles à oublier. L'anglais a lissé sa musique, et si Colour of the Trap est globalement meilleur de Rascalize, il n'a cependant pas le charme des sommets de son prédécesseur, et c'est ce qui le rend moins bon que d'autres productions du même genre, comme les Smith Westerns. Les plus attentifs d'entre nous savaient déjà que Miles Kane était plus qu'un faire-valoir chez les Last Shadow Puppets même s'il restait dans l'ombre de son illustre ami, et ce nouvel album en est la preuve, car il y fait montre d'un songwriting efficace et sans fautes de goûts. Un artiste à suivre, s'il prend la peine à l'avenir d'affirmer son originalité.

A lire également sur Des Chips et du rosé. En écoute sur Deezer.

Fleet Foxes – Helplessness Blues

Le retour très attendu du groupe le plus surcôté de l'année 2008. Après un premier album charmant, innovant mais sans éclats, le groupe de Seattle a l'intelligence d'abandonner en partie le format qui a fait son succès. Refaire un album de folk centré sur des harmonies vocales était le meilleur moyen de s'attirer des « C'était mieux avant ». Helplessness Blues a donc un son plus dense, et même si la voix reste au centre des compositions, on entend une évolution sensible du travail sur les guitares qui fait penser aux passages les plus folk de Grizzly Bear, comme sur le titre éponyme ou « Montezuma ». Les Fleet Foxes réussissent l'exploit de garder tout ce qui faisait leur charme sans pour autant faire du surplace, et c'est dans ses chansons les plus ambitieuses que cela se remarque le plus.

Sur « The Plains / Bitter Dancer » le groupe de Robin Pecknold réussit la parfaite alchimie entre ses harmonies vocales inimitables et son talent pour tisser des ambiances chaleureuses, qui était régulièrement sous-exploité auparavant. Le sommet de ce Helplessness Blues est sans conteste le fabuleux « The Shrine / An Argument » ou la voix de Robin Pecknold se fait tour à tout poignante et tendre, avant que le morceau ne se débride complètement sur la fin, révélant des inspirations inédites. Bref, ce nouvel album est une solide confirmation pour un groupe sur lequel on s'était sans doute enflammé trop vite à ses débuts. Plus de doutes désormais, on suivra le groupe avec attention.

A lire également chez Blake. En écoute sur Spotify.

Cornflakes Heroes – Hum

Disons-le d'emblée, ce troisième album est une fois de plus une réussite pour le groupe caennais. Depuis 5 ans, chacune de leur sorties est l'occasion d'apprécier sans retenue un rock enjoué et humble, dont la simplicité n'a d'égal que la remarquable qualité. Toujours munis d'un sens de l'humour excellent, les Cornflakes Heroes ne changent pas de formule, parce que ce serait se prendre au sérieux. Et ce n'est pas du tout ce que recherchent les auteurs du fameux « Let Me Be Your Tamagotchi ». Du rock fun et sans complexe, voilà ce qu'on le retrouve dans ce Hum, un genre qui est beaucoup moins prisé en France que de l'autre côté de l'Atlantique où une chanson comme « In my Rags » ferait le bonheur de n'importe qui, avec son refrain simple et accrocheur: « You are the kind of girl I like / Wanna dance with you all night » et ses guitares qui savent trouver la juste mélodie.

On aurait tort de faire la fine bouche devant un album aussi sympathique et sans prétention. Il est certain qu'on ne tient pas là une musique innovante, mais l'enthousiasme du groupe fait qu'on y revient toujours avec le même plaisir, quelque soit le nombre d'écoutes. Car les Cornflakes Heroes font appel à des sentiments simples et fugaces, comme une drogue douce. Espérons que cet album leur donnera enfin la reconnaissance qu'ils méritent, ou au moins qu'il amènera plus de monde à leurs concerts qu'on s'imagine déjà avec un sourire aux lèvres.

En écoute sur Spotify.

Gang Gang Dance - Eye Contact

2011-05-23T10:00:00.004+02:00

Gang Gang Dance est un groupe expérimental. Ceci n'est pas une accroche digne d'un mauvais article de Wikipedia, mais le principal constat que l'on fait après avoir écouté le dernier album du groupe, Eye Contact. Ce n'est pas qu'ils font de la musique expérimentale, c'est que chacune de leur prestations est vécue comme une expérience. Les spectateurs sont des cobayes, et la scène un laboratoire. A priori, on pourrait facilement les prendre pour des scientifiques du dimanche: ils viennent de New-York, ils ont sorti leur dernier album chez Warp et leur musique est aujourd'hui on ne peut plus ancrée dans la mode musicale du moment. Sauf que tout cela n'est que malheureuses coïncidences. Sans en avoir l'air, Gang Gang Dance est le principal instigateur de cette esthétique « tribale électronique » qui sévit sur les ondes depuis quelques années. Aujourd'hui, quand un groupe pop sonne « expérimental », il sonne avant tout comme Gang Gang Dance.

Eh oui, il y a des groupes comme ça qu'on ne peut pas vraiment accuser de démagogie, malgré un statut qui les bazarderait rapidement avec tous les autres groupes hypes surestimés. Seulement voilà, il y a ceux qui savent briller en se plaçant au sommet de la vague, et ceux qui font de la plongée. Il y a les sprinters et les coureurs de fond. Gang Gang Dance fait évidemment partie de la seconde catégorie. Plus que jamais, on a la profonde sensation que leur album n'est pas un catalogue de chansons destinées à vous en mettre plein la vue, de quelque manière que ce soit. La démarche de Gang Gang Dance est beaucoup plus insidieuse. Je me souviens d'un de leur concert auquel j'avais assisté. Étrangement, j'étais assis dans un fauteuil très confortable. Ils ont commencé à jouer, et c'est la curiosité qui dominait avant tout. Au bout d'une dizaine de minute, je me rends compte du chemin parcouru, et je suis subitement frappé par la force de l'expérience à laquelle je suis livré.

Eye Contact recrée les conditions de l'expérience live. Sans doute cela était-il déjà le cas sur God's Money et Saint Dymphna, mais pour la première fois ils le réalisent à l'échelle de l'album entier. Confortablement installé par les premières minutes de « Glass Jar », il faut attendre l'explosion d'une mélodie de clavier avant de réaliser pleinement ce que l'on est en train d'écouter. A l'image de cette première épiphanie, Gang Gang Dance a emprunté deux directions paradoxalement opposées. D'un côté, les expérimentations sont diluées sur tout un album, ce qui a pour effet de ralentir le rythme et de diminuer le nombre de moments forts, et de l'autre, la musique se fait plus immédiate, notamment avec ces claviers et ces rythmes qui s'insinuent sournoisement dans votre tête. L'effet inévitable de ce léger virage est que les chansons sont inégalement marquantes, quand bien même l'ambiance générale agit constamment. Les mélodies de « Chinese High » vous feront croire à un moment de calme, avant que le rythme coupé-décalé de « MindKilla » et ses claviers nerveux ne vous mettent une paire de claques bien senties.

Cette dernière représente l'archétype de tout ce qui fait la force de Gang Gang Dance. Un concert de Gang Gang Dance est comme un lobotomie, en sortant vous ne savez ni où vous êtes ni ce que vous faites là. « MindKilla » c'est exactement ça. Son rythme repris des pires titres de pop africaine vous fait un choc, et vous refusez de croire à ce qui vous arrive. Gang Gang Dance pénètre en force dans votre esprit et vous restez impuissant. Pire, vous prenez goût à ce mélange improbable entre electro 80's rentre-dedans, percussions tribales et sursauts bruitistes jouissifs. Vous ne l'auriez jamais fait sans que l'on vous y force. Et c'est tout le talent expérimental des new-yorkais, de parvenir à faire danser ses auditeurs sur n'importe quoi pourvu qu'on y mette de la conviction et qu'on sache le mettre dans de bonnes conditions. Eye Contact n'est qu'aller et retours entre le confort et la surprise, l'un étant la condition sin equa non pour permettre à l'autre de prendre plus de recul, et de frapper plus fort. Le groove lent de « Romance Layers » agira comme un agréable sédatif avant le coup de pic à glace dans l'orbite de « Thru and Thru ». Une fois, deux fois, trois fois. Encore et encore.

Gang Gang Dance affirme de manière brillante son statut de laborantin, et Eye Contact est une des expériences les plus troublantes auxquelles on a pu être livré. Moins spontané et immédiat qu'à l'accoutumée, Gang Gang Dance acquiert d'autant plus de force lorsqu'il se déchaine. Bourreaux de travail, ils livrent un album long en bouche marquera lentement et durablement l'esprit de ceux qui s'y laisseront aller. Un mois après Panda Bear, Gang Gang Dance est la preuve que les musiciens les plus hype peuvent également être ceux qui font le plus d'efforts pour mériter leur renommée.

A lire également sur Brainfeeders & Mindfuckers, et sur So Why One More Music Blog ?